«Y entonces el Califa le dijo a Scherezada: "Cuéntame una película que me ayude a pasar la noche"».

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CIUDADANO KANE, LA MEJOR PELÍCULA DE LA HISTORIA DEL CINE

A fellow will remember a lot of things you wouldn’t think he’d remember. You take me. One day, back in 1896, I was crossing over to Jersey on the ferry, and as we pulled out, there was another ferry pulling in, and on it there was a girl waiting to get off. A white dress she had on. She was carrying a white parasol. I only saw her for one second. She didn’t see me at all, but I’ll bet a month hasn’t gone by since that I haven’t thought of that girl.

Bernstein a Thompson

 

«It isn’t enough to tell us what a man did. You’ve got to tell us who he was». Ésta es la orden que Rawlson le da a su reportero Thompson, miembro del staff de una revista de actualidad, al que manda a investigar el significado de Rosebud, la última palabra pronunciada por Charles Foster Kane, personaje basado en William Randolph Hearst, el magnate periodístico que tuvo gran influencia en la opinión pública norteamericana. Hearst era un bi­llonario dueño de catorce periódicos en Norteamérica, pionero del amarillismo, inventor de noticias, que logró subyugar a las masas de entre siglos. Su palacio de San Simeon aparece caricaturizado como el palacio de Xanadu en la película que vamos a reseñar; Marion Davies, la amante de Hearst, célebre actriz de cine mudo, aparece retratada como la cantante de ópera de pacotilla, Susan Alexander. Hearst se puso furioso cuando supo que Rosebud, palabra con la que apodaba las partes íntimas dela Davies, aparecía en boca del ciudadano Orson Welles y que era la intriga principal del filme. Intentó de todas las formas imaginables comprar el negativo del filme para poder destruirlo e impedir que se hagan copias. A través de sus periódicos, especialmente por medio de la columnista de chismes Louella Parsons, hizo trizas el filme que al final sí fue distribuido, pero resultó uno de los más grandes fracasos de taquilla que se recuerden. Welles, que desde niño gozaba de una reputación de genio, que se hizo pasar en alguna ocasión como un enano políglota o que había sido alumno de Harry Houdini y que era ca­paz de recitar casi todo Shakespeare de memoria, era en realidad como Hearst: un ego con mayúsculas. Ambos eran unos manipuladores de masas.

Welles versus Hearst, la lucha de dos egos

Welles ya sabía lo que era la fama desde una edad muy temprana. Antes de cumplir los 21 años, dirigió en Broadway su célebre Vudú Macbeth con cuarenta y cinco actores negros en escena, un hito para la época, que lo hizo merecedor de la portada de Time. Este éxito teatral le significó un jugoso contrato radial. Con su grupo Mercury Theatre (conformado por Agnes Moorhead, Ruth Warrick, Joseph Cotten, Dorothy Comingore, Everett Sloanne, John Houseman, entre otros) realizó algunos dramatizados radiofónicos de relativo éxito. La sintonía del programa de Welles subió como la espuma después del escándalo que generó su famosa adaptación de War of the worlds, del otro Wells, Herbert George Wells. Lo que hizo Orson con esa historia de la invasión de marcianos a Norteamérica, manipular y subyugar a las masas, ya lo había hecho el septuagenario Hearst con sus noticias.

Dos ejemplos periodísticos bastan para ilustrar la habilidad amarillista de William Randolph Hearst: primero, una vez contrató a un hombre para que se arrojara a la bahía de San Francisco y se cronometrara el tiempo en el que éste era salvado; segundo, y éste ya es un ejemplo de mayores proporciones, la dominación española de Cuba se había ido haciendo progresivamente más dura y en 1895 estalló la revolución. El presidente William McKinley estaba sometido a una gran presión popular por la protección de los intereses norteamericanos en la isla (¿no les suena tan actual esta historia?). Los medios de comunicación, en particular, los periódicos de Joseph Pulitzer y William Hearst, fomentaban el sentimiento de repulsa contra las atrocidades del gobierno colonial español. Esto constituyó el comienzo de la prensa amarilla. En un ejemplo clásico de poder editorial, Hearst respondió de la siguiente manera a la petición que el ilustrador Frederick Remington le realizó para retornar deLa Habanaa EE.UU., por aquel entonces en paz: «Por favor, quédese. Usted proporcione los dibujos que yo proporcionaré la guerra». La triquiñuela más sonada fue cuando contrató a una mujer latina para que declarara que estuvo a punto de ser violada por soldados españoles. Evangelina Flores, tal era su nombre, se convirtió en una heroína gracias a las fotos e historias que aparecían en los periódicos de papel amarillento de Hearst, de aquí que se le llama «amarillista» al periodismo mal entendido impreso en ese tipo de papel tan barato.

La vida de Hearst, al igual que la del ciudadano Kane, también llegó a la decadencia más temprano que tarde. Se declaró en bancarrota en la época de la depresión. Esas antigüedades y obras de arte que siempre compraba de manera patológica fueron subastadas (recordar el diálogo entre Bernstein y Kane. El primero le dice: «Hay muchas estatuas en Europa que usted no ha comprado todavía», a lo que el segundo responde: «No me puede culpar. Han estado haciendo estatuas por dos mil años, yo apenas llevo coleccionándolas por cinco»). Quizá por eso el ingenuo de Welles creía que su película podía hacer poca mella en un septuagenario frágil y con aparentemente menos poder que antes. De cierta forma, Welles tenía un ego enorme, tan parecido al de Hearst.

Dos ejemplos también bastan con Welles para ilustrar su po­der sobre las masas, el ya mencionado Vudú Macbeth, y el de War of the worlds, que puso en vilo a una nación que se creyó realmente invadida por seres del planeta Marte (hubo episodios de vandalismo, incendios, histeria colectiva, movilización militar…). Con estos dos éxitos, el joven Orson estaba listo para su contrato exclusivo en Hollywoodlandia que le permitía control total sobre el producto terminado. Una de las cláusulas era muy clara: debía ha­cer dos películas. Primero quiso hacer El corazón de las tinieblas, una adaptación de la novela homónima de Joseph Conrad. Estaba encaprichado con lograr que la cámara tomara el lugar del protagonista, pero como la idea era muy intelectual y sofisticada para la época, sus patrones le dieron carta negra e impidieron que cuajara el proyecto.

 

Citizen Cinema

Joseph L. Mankiewicz, un guionista alcoholizado y de vida más que desordenada, concibió la historia del ciudadano Kane, ya que conocía de cerca la vida del magnate periodístico. De hecho, había estado en el palacio de San Simeon, la fortaleza de Hearst, en una de sus tantas bacanales. Apenas tuvo el primer borrador, titula­do The american, se lo envió a dos personas, a Welles y a un gran amigo que resultaba ser el sobrino de Marion Davies. Welles le devolvió el guión diciendo que era una genialidad y que quería filmarlo; el sobrino de la Davis se lo devolvió con anotaciones, recomendaciones y tachones que eran de los abogados de Hearst: había demasiadas coincidencias entre la vida del magnate y del personaje del guión que obtendría el Oscar al mejor libreto original en 1941. Cuando llegó la filmación, Mankiewicz escribía mientras estaba sobrio. Le enviaba lo que podía a Welles, y éste rescribía, añadía, borraba, reestructuraba. Trabajó hombro a hombro con Greg Tolland, el director de fotografía, entre ambos inventaban nuevas formas de encuadrar la historia, ángulos inusuales, movimientos de cámara anticonvencionales. Fue Welles el que tuvo la idea de cavar profundos canales en el suelo para construir los rieles por donde habría de deslizarse la cámara para hacer tomas en contrapicado; además, colaboró con el storyboard, con la dirección de arte, entre otros aspectos técnicos. Cuando el filme fue estrenado tuvo poca acogida en la taquilla. The magnificent Ambersons (1942), segunda película de Welles, fue montada por el estudio pa­ra que no subsistan los problemas de difusión de Citizen Kane. Después hizo A journey into fear  (1942), The stranger (1946), con Joan Fontaine, The Shangai Lady (1948), con su esposa de entonces, la sex symbol Rita Hayworth, donde se apreciaron destellos de esa genialidad orsoniana, pero su carrera siempre quedó estigmatizada por la caricatura cinematográfica que hizo de Hearst.

Welles llegó a convertirse en una caricatura de sí mismo, se volvió un obeso nómada dedicado a mendigar dinero para poder hacer sus filmes. Othello (1952) fue filmada en un lapso de cinco años entre Europa y América. Chimes at midnight (1965), otro homenaje a Shakespeare, fue rodada en España. F for fake (1975) fue hecha en formato de dieciséis milímetros. Siempre fue un outsider, un paria, un maverick, un disidente del star system.

En los años sesenta dio luz a su última obra maestra, un ejercicio de cine negro titulado Touch of evil (1958), filme en el que participó gracias a la insistencia obsesiva de Charlton Heston. Ya nadie quería trabajar con el difícil y complicado genio obeso, pero el protagonista de Ben Hur amenazó con no protagonizar el film noir si no era dirigido y coprotagonizado por el maestro Welles. Cuentan las malas lenguas que fue tal la cátedra de cine impartida por Welles que dejó alelados a todos, especialmente a los productores que temblaban de solo pensar que las extravagancias del gordo atrasarían el filme. El primer día de filmación se presentó y alteró el cronograma de trabajo, el storyboard y toda la planificación, porque se le ocurrió que se podía ahorrar dinero y tiempo utilizando un solo plano secuencia. En el mínimo tiempo se ahorró todo un día de trabajo, quizá porque Welles tenía una cita con alguna de sus obsesiones: el vino, la comida o la coprotagonista del filme, Marlene Dietrich.

«Capullito» de alelí

La palabra Rosebud, cuyo significado Thompson se pasa buscando, no es más que el pretexto para que se vaya hilvanando a manera de biografía la vida del multimillonario Kane. El periodista entrevista a los que más cerca estuvieron del personaje que da nombre a la película: su segunda esposa, su amigo más cercano y su secretario. Esta multiplicidad de perspectivas narrativas (llamada técnicamente panóptico) es lo que la crítica especializada ha bautizado como kaneidoscopio.

Citizen Kane (EE.UU., 1940) de Orson Welles, que se disputa con El acorazado Potemkin, el cetro de la mejor película de la historia, constituye un sorprendente rompecabezas hecho a base de un hábil entramado de flashbacks, teñidos de engañadora subjetividad. El uso del objetivo gran angular (lente de enormes posibilidades visuales) y de encuadres ampulosos (barrocos es una mejor definición), así como el empleo de decorados con techo y de esa perspectiva conocida como profundidad de campo, figuran entre los hallazgos estilísticos de este cineasta que tenía tan sólo 24 años cuando filmó Citizen Kane, como simplemente se conoce a esta cinta en algunos países de habla hispana. Si el renacentista Filippo Brunelesschi inventó en el siglo XVI la perspectiva para la pintura, Welles hizo lo mismo pero en el séptimo arte, además del uso eficaz de tomas en picado y en contrapicado, las disolvencias, y los decorados artificiales en miniatura (recuérdese la escena del mitin político en el Madison Square Garden).

¿Cómo es posible que un hombre de radio y de teatro haya logrado una de las obras capitales del cine con su ópera prima? La respuesta sobre su formación cinematográfica la dio a la revista francesa Cahiers du Cinéma: «Sólo una vez me ha influido alguien: antes de rodar Citizen Kane vi cuarenta veces Stagecoach. No necesitaba tomar ejemplo de alguien que tuviera algo que decir, pero sí de quien me enseñara cómo expresar lo que yo tenía que decir: para eso John Ford es perfecto. Admiraba a Griffith, a Cha­plin, Clair y Pagnol: sobre todo El pan y el perdón. Me gustaba más el cine antes de dedicarme a él. Ahora no puedo evitar el oír la claqueta al comienzo de cada plano: toda la magia desaparece.»

En la mayoría de las listas de expertos este filme aparece como el mejor de todos los tiempos. De hecho, no fue gratuito que uno de los más importantes cineastas franceses, François Truffaut, afirmara que «todo lo que importa en el cine desde 1940 hasido influido por Citizen Kane. Cuando se sabe que ésta es la primera obra de un hombre de 24 años, uno tiene que tener un poco más de modestia con su obra. Es probablemente el filme que dio principio a la carrera de más cineastas que ningún otro». Habría que añadir que Welles fue el pionero de la multifuncionalidad, privilegio disfrutado previamente solo por Chaplin, el único que había ostentado el famoso rótulo de «escrito, producido, dirigido y protagonizado por…».

Guillermo Cabrera Infante fue más lejos que Truffaut escribiendo: «Si me dieran —con la espada de Damocles sobre mi cuello, porque de otra manera no lo haría— un solo filme para que quedara entre los restos de una debacle atómica, éste sin duda, se­ría Citizen Kane».

Jorge Luis Borges escribió un memorable comentario en el que predecía que la obra de Welles perduraría igual que los filmes de Griffith o Pudovkin. «Citizen Kane no es inteligente, es genial en el sentido más sombrío y más germánico del término».

Una obra multigenérica

¿Es un documental o un noticiero? Al principio se inserta News on march que describe la vida, pasión y muerte del magnate. ¿Es un reportaje periodístico? Al menos el reportero Thompson utiliza todos los recursos de la entrevista. ¿Es cine político? Derribar a Kane, un candidato a gobernador, porque se descubre que tiene una amante ¿no es parte de un modus operandi tan común en el quehacer político? ¿Cine policiaco? El periodista juega al detective buscando el significado de Rosebud, la última palabra pronunciada por Kane. La verdad es que la primera película del actor, productor, director y coguionista Orson Welles se escabulle —co­mo pez de las manos— de cualquier tipo de encasillamiento. Es imposible ponerle una etiqueta, como sucede con las grandes obras artísticas del siglo XX. Este filme es comparable, por sus aportes, al Ulises de James Joyce, otra obra de imposible clasificación, a medio camino entre la prosa y la poesía y que redefinió el género narrativo en el siglo anterior.

Citizen Kane, co-escrita, producida, actuada y dirigida por Orson Welles, musicalizada por Bernard Herrmann, editada por Robert Wise, con el diseño de producción de Van Nest Polglase, decorada por Darrell Silvera, es un acorazado que resiste el paso del tiempo y que, por su imaginativo nivel formal y técnico, constituye la cédula de ciudadanía del cine contemporáneo. Ver esta película es sentir lo mismo que Bernstein le confiesa a Thompson que sintió al ver a una chica, con un parasol blanco, en la estación de un ferry, durante un segundo: «Apuesto a que no pasa un mes sin que deje de pensar en ella». Vale esta hipérbole.

CRONOLOGÍA DEL CINE ECUATORIANO VERSUS CRONOLOGÍA DEL CINE MUNDIAL

La presente cronología pretende dar una visión del desarrollo del cine nacional contrastándola con hechos internacionales. La parte dedicada a Ecuador está tomada de investigaciones de Wilma Granda, subdirectora de la Cinemateca de Quito, y sus libros Cronología de la Cultura Cinematográfica en el Ecuador 1901-1986 (Casa de la Cultura Ecuatoriana, Quito, 1987), Cine silente en Ecuador 1895-1935 (Casa de la Cultura Ecuatoriana/ Cinemateca Nacional, UNESCO , 1995) y «Cronologia del cine ecuatoriano 1874-2006» en Revista Encuentros No. 10 (Consejo Nacional de Cultura, Quito, 2007) . Las fechas recabadas por esta gran investigadora son reproducidas con su autorización. La mayoría de las fechas sobre cine mundial ya se publicó en El gabinete del doctor Cineman (2006).

1826

Aparece el taumatropo, inventado por John Aytorn en 1826 y consistía en una placa circular, como una moneda, en cada una de cuyas caras había dibujada una imagen. Atados en los extremos tenía unas gomas o cordeles que permitían hacerlo girar a una velocidad suficiente como para que se produjera la superposición de imágenes en la retina.

Simon Ritter von Stamfer, de Viena, en Austria, que le llamó stroboscopio, y Joseph Antoine Ferdinand Plateau, de Gante, en Bélgica, que le llamó Phenakistoscopio.

 

Las ruedas se sujetan a una varilla con un clavo o un tornillo a través de un agujero en el centro de la rueda. Debemos  colocar el lado con la imagen frente a un espejo, sujetando la varilla con una mano. A continuación se ven las imágenes reflejadas a través de rendijas trazadas a lo largo del borde de la rueda. Girando la rueda  con la otra mano las imágenes entran en acción.

1832

Se inventa el fantascopio.

1833

Su inventor fue Charles Wheatstone, físico experimental inglés, que fue el primero en tomar una imagen con efecto 3D apoyándose en el aparato previamente inventado por él en 1833.

El estereoscopio es un aparato que consta de unos binoculares que permiten observar la realidad con un efecto 3D y que más tarde y unido al descubrimiento de la cámara de fotos dieron lugar a la cámara estereoscópica.

La cámara estereoscópica es una cámara fotográfica que toma dos imágenes normales que superpuestas en 2/3 de su superficie y observadas producen un efecto 3D en nuestros ojos.

Consta de dos lentes que reflejan la misma imagen en nuestros ojos las cuales son captadas por una cámara de fotos convencional.

1839

El daguerrotipo, creado por Louis Daguerre en 1839, es un invento precursor de la fotografía moderna. Fue además un puente entre la cámara negra creada por Johann Zahn y retocada por Joseph-Nicéphore Niépce, y la cámara de objetivo del alemán Joseph Petzval, también conocido como Jozef Maximilián Petzval. Permitió cubrir el seguimiento de la Guerra de Crimea y de la Guerra de Secesión estadounidense. Una capa sensible de nitrato de plata extendida sobre una base de cobre. A partir de una exposición en la cámara, el positivo se plasma en el mercurio. La imagen se fija tras sumergir la placa en una solución de cloruro sódico o tiosulfato sódico diluido.

1852

Sobre la base de Fenaquistiscopio, el barón Franz von Uchatius, creó  en 1852 el Proyector fenaquistiscópico, resultado de la combinación de artefactos estroboscopicos con un proyector de diapositivas con luz.

Es la primera idea del dibujo animado pues, combinando un disco fenaquistiscópico con una linterna, Uchatius consiguió que la ilusión del movimiento se proyectase sobre una pantalla. Pero el cine no existiría sin una muy importante invención. William Henry Fox (en Reino Unido) Louis Daguerre (en Francia) trabajaron en un nuevo descubrimiento que haría posible el desarrollo del cinematógrafo: la fotografía. En este año las fotografías comenzaron a sustituir a los dibujos en los artefactos para ver imágenes animadas.

1861

El inventor estadounidense Coleman Sellers patentó el kinematoscopio, que lograba animar una serie de fotografías fijas montadas sobre una rueda giratoria con paletas. Utilizaba el principio del estereoscopio, inventado en 1832, con el que se podían ver dos imágenes ligeramente diferentes en relieve.

En 1870 Henry Hill de Filadelfia combinó este principio para proyectar cuadros en movimiento sobre un telón.

1866

Se inventa el corotoscopio, aparato que permite a la linterna mágica proyectar dibujos animados.

1870

Henry Renno Heyl inventa el fasmatropo que proyecta imágenes fotográficas en movimiento. Su primera demostración fue en Filadelfia.

1874

Theodoro Wolf, contratado por el presidente Gabriel García Moreno como profesor de la Escuela Politécnica, proyecta en Quito y Guayaquil, imágenes de su linterna mágica sobre geología y geografía europeas.

El astrónomo francés Pierre Jules Janssen, aprovechando la película supersensible recién inventada, crea un «revólver fotográfico», conocido como el «Janssen», con el que registra todas las fases de un eclipse lunar en una misma placa. Aprovecha el invento para fotografiar el paso de Venus delante del Sol, desde Japón, registrando 48 imágenes sobre un disco 25 centímetros de diámetro.

El «Janssen» fue el primer aparato cronofotográfico. Este revolver utilizaba dos discos y una placa sensible, y se basaba en el popular revólver Colt. Fue de gran importancia en los posteriores descubrimientos del inicio de la cinematografía.

1877

Edward Muybridge utilizó una batería de 24 cámaras para grabar el ciclo de movimientos del galope de un caballo.

El zoótropo se basa en la persistencia de las imágenes en la retina. Se ha denominado también tambor mágico y su inventor fue William George Hörner.

En francés Émile Reynaud presentó un Zoótropo perfeccionado (para hacer más flexible el movimiento aparente de las figuras), al que denominó Praxinoscopio (cilindro de espejo que da la ilusión de movimiento). Consistía en un tambor giratorio con un anillo de espejos colocado en el centro y los dibujos colocados en la pared interior del tambor. Según giraba el tambor, los dibujos parecían cobrar vida. Eliminó la distorsión en la visión de las imágenes causada por la luz insuficiente que pasa a través de las pequeñas ranuras del Zootropo.

1879

El zoopraxinoscopio es un artefacto que fue importante en el desarrollo inicial de las películas cinematográficas, anterior al cinematógrafo.

Creado por Eadweard Muybridge en 1879, proyectaba imágenes situadas en discos de cristal giratorios en una rápida sucesión para dar la impresión de movimiento.

Las imágenes de los 71 discos conocidos que han sobrevivido has sido reproducidas en el libro Eadweard Muybridge: The Kingston Museum Bequest (The Projection Box, 2004).

1880

Surge por primera vez una cámara que podía capturar el movimiento. Este aparato cuenta con un sistema de rueda que le permite al rollo de la película moverse dentro de la cámara.

Se utiliza en fotografía y en filmaciones cinematográficas para realizar efectos especiales.

Se genera de tal forma que concentra una gran intensidad en un espacio de tiempo muy corto

Se usa tanto para fotografía como para cine para congelar movimientos extremadamente rápidos.

Un procedimiento similar se puede usar para filmar secuencias, ya que las luces estroboscópicas, además de tener una duración extremadamente corta, puede hacerse intermitente a una velocidad extremadamente alta

1881

Muybridge presenta en Europa el zoopraxiscopio que proyecta imágenes en movimiento según fotografías.

1882

Un paso relevante hacia el desarrollo de la primera cámara de imágenes en movimiento fue el que dio el fisiólogo francés Etienne Jules Marey, cuyo cronofotógrafo (un ’fusil fotográfico’) portátil movía una única banda que permitía obtener doce imágenes en una placa giratoria que completa su revolución en un segundo. Sin embargo, su tira de película consistía en un papel mojado en aceite que se doblaba y se desgarraba con facilidad.

1888

Edison se interesó por la posibilidad de producir un equivalente óptico del registro sonoro y de reproducir el fonógrafo, inventado por él, en 1887. Se sintió estimulado por el trabajo de Muybridge, y en febrero de 1888, discutió con él la posibilidad de juntar el proyector Zoopraxinoscopio al fonógrafo.

1889

Los inventores estadounidenses Hannibal Goodwin y Georges Eastman desarrollaron más tiras de emulsión fotográfica de alta velocidad.

Thomas Alva Edison comercializa la película de celuloide de 35 milímetros, sin poderla patentar, ya que ésto lo había hecho ya antes George Eastman; sin embargo, sí pudo patentar las perforaciones laterales que tiene este tipo de película.

1891

Georges Demeny (Francia, 1850-1917): inventa el fonoscopio que reproduce los movimientos de la palabra y los juegos de mímica.

1892

En Francia, Émile Reynaud da representaciones de su teatro óptico en el Museo Grévin en París.

1893

Se crea en los estudios de los laboratorios Edison, en West Orange, New Jersey, el primer estudio de cine llamado Black Maria. La primera película que se presenta fue una serie de tomas que reconstruía un estornudo. Muchas de esas primeras imágenes en mo­vimiento son escenas sin editar y sin historia. Tan sólo muestran imágenes de perros callejeros, gente caminando en una calle o algunas escenas de trenes. Los temas de sus filmes estuvieron, desde el inicio, orientados hacia el espectáculo, de tal manera que filmaba temas y bailarinas exóticas, peleas de gallos y de box (prohibidas en EE UU); dicen algunos que incluso pudo haber filmado las primeras imágenes eróticas.

1894

Aparece otro invento de la compañía de Edison, llamado el kinetoscopio pero su diseñador no fue Edison, sino el ayudante de éste, William K. L. Dickson, quien hizo casi todo el trabajo. En este aparato voluminoso se pasan imágenes que al activar una manivela adoptan movimiento. Es un aparato diseñado para un solo espectador. Dickson diseñó el sistema de engranajes  que permite que la película corra dentro de la cámara. Incluso fue quien por primera vez logró una primitiva imagen con sonido. Tenía unos 15 metros de película en un bucle interminable que el espectador tenía que ver a través de una pantalla de aumento. El artefacto, que funcionaba depositando una moneda, no puede considerarse por tanto un espectáculo público, y quedó como una curiosidad de salón que en este año se veía en Nueva York, y antes de finalizar ese año en Londres, Berlín y París.

El 14 de abril, los Hermanos Holland abren en Nueva York la primera sala especialmente diseñada para kinetoscopio en la Avenida Broadway N° 115 en Nueva York y, por primera vez, se exhibe comercialmente una película de cine al público.

Los primeros espectadores del kinetoscopio se maravillan con el solo hecho de mover la manivela del aparato y observar, por tan sólo 30 ó 60 segundos, algunas imágenes con movimiento. Las es­cenas más usuales contienen mujeres bailando, perros persiguiendo ratas y contorsionistas.

1895

Inventado por  Herman Castler en 1895, el folioscopio permite doblar un libro y dejar las hojas correr debajo del pulgar, las imágenes aparecen a la vista en tan rápida sucesión que se produce una muy buena sucesión de imágenes en movimiento.

Estas fotos tenían uno de sus lados pegado a un eje, formando una especie de rueda, compuesta por unas 850 fotos.

Este procedimiento, ejecutado a gran velocidad, permitía ver cine a partir de un montón de fotografías comunes.

Edison exhibe por primera vez películas coloreadas a mano. Entre esas se incluye Annabelle, the Dancer, presentada en Atlanta, Georgia.

En Francia, los hermanos Lumière, Louis y Auguste, inspirados por el trabajo de Edison, crean su propia versión de cámara y proyector llamado cinematógrafo. La ventaja de este aparato es que está diseñado para varios espectadores a la vez. La primera demostración pública se hace en marzo con la película La Sortie des Ouviers de L’Usine Lumière. La presentación alcanza un éxito absoluto a pesar de que se trata tan solo de una serie de imágenes de los trabajadores literalmente saliendo de una fábrica. Los espectadores sufren un shock tal que piensan que el tren se va a salir de la pantalla.

El 28 de diciembre se utiliza por primera vez la expresión cine o cinema, la cual se deriva de la palabra Cinematographe, cuyo lugar de origen fue París, Francia.

Los hermanos Lumière presentan la primera exhibición comercial de una película en un teatro de cine, en el Salón Indien, debajo del Grand Café Boulevar des Capucines. El programa de 20 minutos de duración tiene veinte presentaciones al día. En una de esas primeras presentaciones se exhibe la famosa comedia de un jardinero con una manguera (The Sprinkler Sprinkled o L’Arrouseur Arrose), que cuenta con escenas de la fábrica y una secuencia de un caballo galopando en su carruaje.

1896

Es inventada la linterna Kinora por los hermanos Lumière.

Funcionaba al accionar una manivela giraba el rollo mediante un mecanismo de relojería. La imagen de cada tarjeta correspondía a un fotograma de una película cinematográfica.

Consistía en un aparato de sobremesa donde se visualizaban las imágenes a través de una lente y la rotación del rollo se realizaba En Francia comienza la producción del llamado cine-espectáculo: Alice Guy en la casa Gaumont y Ferdinand Zecca en Pathé. Georges Méliès realiza sus primeros filmes e inventa la técnica cinematográfica.

El primer beso cinematográfico aparece en una de las películas de Edison, de 1896, titulada The Widow Jones, pero, como es de esperarse, a la película se le conoce como The Kiss y los protagonistas fueron May Irwin y John Rice.

Promio, un operador de los hermanos Lumière, decide instalar su cámara sobre una embarcación para registrar los canales de Venecia, en lugar de colocarla sobre uno de los tantos puentes de esa ciudad italiana. Nace el primer travelling366 de la historia del cine. Los norteamericanos le llaman también tracking shot.

1897

Se construye en París el Biograph de Herman Casler, primer edificio especialmente diseñado para exhibir películas de cine.

George Méliès, francés y uno de los miembros de la audiencia de los hermanos Lumière, fue quien construye en 1897 el primer estudio de cine europeo y crea cerca de 500 películas dentro de los siguientes 15 años. Su película más conocida es Le Voyage Dans La Lune (1902), en la que interpola varias escenas surrealistas y efectos especiales. Él también es quien por primera vez introduce el concepto de un guión y una historia para hilar las imágenes, así como el desarrollo de personajes, disolvencias y algunos efectos de edición. Quien perfeccionará estos conceptos será el norteamericano Edwin S. Porter.

Las compañías pioneras en el mundo del cine son la Biograph (fundada en 1896 por Edison) y Vitagraph (constituida en 1899).

Apertura en Constantinopla (Turquía) de la primera sala pública de cine.

1898

El inventor Edwin S. Porter patenta una versión mejorada de un proyector cinematográfico, el cual se empieza a usar para grabar eventos noticiosos. Porter, director de los estudios de Edison, es uno de los primeros operadores del kinetoscopio.

1900

El cine consigue un gran éxito en la Exposición Universal de París.

Italia, Gran Bretaña y España empiezan su producción cinematográfica.

Primer plano detalle de la historia del cine en el ultracorto de un minuto, Grandma’s reading glass de George Albert Smith. Este plano, también llamado insert, se da a través de la mirada de un niño que observa el incipiente bigote de su abuelita (interpretada por un actor).

1901

George Méliès realiza el primer plano (close up para los gringos, gros plan para los franceses) de la historia del cine en L’homme à la tate de caoutchouc369.

1901

La carpa ecuestre del mexicano Quiroz proyecta, en la avenida Olmedo de Guayaquil, su biógrafo americano con vistas de La Pasión y Muerte de Nuestro Señor Jesucristo, Los Funerales de la Reina Victoria y La última exposición de Paris en 1900.

1902

En Estados Unidos, el Electric Theathre, la primera sala de cine, se construye en Los Ángeles, California. Cuenta con 200 sillas y se cobra 10 centavos por la entrada.

1903

Dos filmes usan por primera vez la técnica del paneo. En Matrimonio en auto del inglés Alfred Collins la cámara gira para tomar a los vehículos acercándose y luego alejándose. En The Life of an American Fireman de Edwin S. Porter, el primer documental que se hace en Norteamérica, el operador de la cámara decide mantener en el mismo cuadro el carro de bomberos desde que aparece en el fondo de la calle, avanza hasta llegar a la casa donde se había desatado un incendio y se detiene frente a su fachada.

Edwin S. Porter, produce en este mismo año The Great Train Robbery. Esta película tiene 14 escenas, dura aproximadamente 10 minutos y está basada en un atraco real a un tren. Esta es la primera película (de mayor metraje que las de Méliès) con un guión cinematográfico y la primera con una secuencia cronológica de imágenes.

1904

Apertura en Montreal de la primera sala pública.

William Fox, propietario de una sala de cine, es uno de los primeros que conforma una empresa de distribución de películas.

1905

En Alemania, Oscar Messter patenta un sistema de filme sonoro.

En Alejandría (Egipto) se procede a la apertura de una sala pública.

En Pittsburg, se abre el primer Nickelodeon diseñado por Harry Davis. Estos son pequeños teatros diseñados solamente para proyectar películas. Una de las primeras presentaciones que se hace en un Nickelodeon es la de The Great Train Robbery.

En esos teatros la mayoría de las veces se acompañan las películas de cine mudo con un pianista o cantantes contratados especialmente para la presentación de la cinta.

1906

En Rusia comienza la producción de filmes-espectáculo (Piotr Chardynin).

Carlo Valenti, empresario trotamundos de origen italiano, llega a Guayaquil donde filma y exhibe los primeros registros cinematográficos en Ecuador: Amago de incendio, Ejercicio del Cuerpo de Bomberos, Procesión del Corpus en Guayaquil. Su retrato y la propaganda del cinematógrafo Valenti constituyen las primeras imágenes  de fotograbado en el diario El Comercio de Quito. En esta ciudad exhibe: Vistas del Conservatorio nacional de música y Festividades del 10 de agosto.

1907

Émile Cohl inventa el dibujo animado en Francia.

En el Instituto Marey, también en Francia, el doctor Nogués realiza los primeros filmes acelerados (140 cuadros por segundo).

Llegan a Guayaquil exhibidores transeúntes del cinematógrafo: Jackson Encalada, Cinematógrafos y Biógrafos combinados Herman Zeigler, Excelsior, A. del Rio, Kimono, Olga de Vry que proyectan los siguientes cortometrajes: El Acorazado Asama SS,  Combate naval de buques rusos y japoneses, La kleptomanía, Terremoto de San Francisco en 1906…

1908

Los hermanos Laffitte fundan Le Film d´Art.

El cine descubre California: nacimiento de Hollywood, un barrio de Los Ángeles.

Estreno de The adventures of Dollie, primer largometraje de David Wark Griffith.

Inaugurado el ferrocarril que une la Costa y la Sierra, se difunde con mayor intensidad el cinematógrafo. La Empresa Casajuana cuyo lema es la Casallena hace ese trayecto y se establece en Quito, motivando a músicos nacionales para que acompañen al cine silente.

1909

Comienza la producción cinematográfica en Suecia y Polonia.

En el Teatro Sucre de Quito se estrena el biógrafo americano del alemán Julio Wickenhauser quien luego establece en  Guayaquil y Cuenca varios teatros.

1910

En París, el Hippodrome del bulevar de Clichy se convierte en el Gaumont Palace, el cine más grande de Europa, con capacidad para 5.000 espectadores.

León Gaumont presenta en la Academia de Ciencias de Francia su cronófono, sistema de cine hablado por la unión del filme con un disco fonográfico.

En Guayaquil se constituye la primera empresa productora y distribuidora de cine: Ambos Mundos. Francisco Parra y Eduardo Rivas Orz la impulsan. Un chalet en el boulevard 9 de octubre sirve como la primera sala de cine en Guayaquil que se denomina el Edén. En la ciudad de Quito, Ambos Mundos exhibe en el teatro del Instituto Mejía.

1911

Ambos Mundos proyecta en el Sucre de Quito, las vistas fijadas por camarógrafos nacionales: La recepción del Exmo. Señor Victor Eastman Cox (diplomático chileno) que incluyen retratos del presidente Eloy Alfaro y de sus ministros.

1912

Carl Lámele funda Universal Films, la precursora de Universal Pictures, uno de los principales estudios en Estados Unidos.

Quince compañías operan en Hollywoodlandia convirtiéndola en la capital del cine gringo.

En Berlín se procede a la apertura del Marmorhaus, el local cinematográfico más lujoso de Europa.

Ambos Mundos estrena el moderno aparato cinematográfico modelo Pathé  y distribuye la revista mundial Pathé Journal

El asesinato del presidente Eloy Alfaro interrumpe un proyecto de producción cinematográfica que Ambos Mundos había planificado con el gobierno alfarista para promover al  país y atraer inversión extranjera.

1913

Primer filme del director sueco Mauritz Stiller, La máscara.

En EE.UU. nace la colaboración prensa-cine.

Charles Chaplin debuta en la Keystone con El prófugo.

En Rusia se estrena el primer documental de la historia del cine para conmemorar el tercer centenario de la dinastía de los Romanov.

El western The drifter realiza la primera back projection. Este procedimiento implica que los actores realizan su trabajo delante de una pantalla traslúcida sobre la cual, desde atrás, un proyector emite la imagen de un ambiente.

En Guayaquil se exhiben vistas de la Parada militar del 9 de Octubre. Participan autoridades civiles, militares y religiosas. El público en calle de honor mira el espectáculo para luego ser convocado a la proyección.

1914

Jorge Cordovez Chiriboga funda la Compañía de cines de Quito. Construye e  inaugura en un solo año, cuatro salas monumentales: Variedades, Popular, Puerta del Sol y Royal Edén. Allí se exhiben famosas series cinematográficas y se estimula a asistir, especialmente a niños y mujeres, rifando golosinas, artículos domésticos, libras esterlinas y entradas gratuitas al cinematógrafo.

En el centro de la ciudad de Quito, se inaugura el Cinema del Hotel des Estrangeres con servicio de bar incluido.

1915

En Francia se crea el Departamento de producción cinematográfica y fotográfica del Ejército.

Por primera vez la cámara se libera del trípode y sale andando por la calle detrás de un personaje. El culpable de esta innovación llamada cámara al hombro o cámara en mano es el cineasta canadiense Allan Dwan y su filme David Harum374. El operador es Henry Lyman Broening.

1916

Se estrena Intolerance, obra clave de la historia del cine. David Wark Griffith, su director, padre de la gramática cinematográfica, es el que sistematiza el uso del close up; es autor del primer flashback y del montaje de acciones paralelas; fue el primero, también, en combinar luz artificial con luz natural y el instaurador de la salvación del héroe en el último minuto (técnica de narración que fue bautizada como Griffith´s last minute rescue376). Es el creador de las tres leyes fundamentales de la narrativa cinematográfica: acción, tiempo y espacio. Sus películas influyeron en Eisenstein y Welles.

1917

Camille de Morlhon funda en Francia la Sociedad de autores cinematográficos.

La película argentina El apóstol de Federico Valle es el primer largometraje de dibujos animados no silente, según el Libro Guinness de los Récords. Se trata de una sátira política sobre el entonces presidente del país, Hipólito Yrigoyen, que dibujaron Quinto Cristiani y Diógenes Taborda.

1918

En el Edén de Guayaquil se estrena la obra cinemática Juan José, filmada en 24 partes y auspiciada por la fábrica Royal. Actúa la Compañía Delgado Caro Campos. El filme se basa en la obra homónima de Joaquín Dicenta y actúa la ecuatoriana Julia Delgado Caro.

Se estrena J’accusse de Abel Gance.

Nacimiento de la crítica de cine. Louis Delluc crea una columna regular sobre filmes en el periódico Paris-Midi.

En Alemania nace la Universum Film Aktiengesellschaft (UFA).

Primeros largometrajes de Charles Chaplin.

Creación del primer palacio del cine en Los Ángeles, California al que bautizan como el Teatro del Millón de Dólares.

1919

Teoría del cine-ojo (realismo documental) de Dziga Vertov.

Charlie Chaplin, Mary Pickford, Douglas Fairbanks y D. W. Griffith fundan United Artists378 que llegaría a ser en una de las grandes compañías productoras de Hollywoodlandia. Los fundadores nunca pensaron que llegaría a convertirse en el legendario estudio que llegó a ser. Empieza como una compañía distribuidora cuya misión fue realizar filmes hechos por productores independientes.

1920

En Alemania se estrena El gabinete del Dr. Caligari, primer filme expresionista.

El periódico guayaquileño El Telégrafo incluye la primera columna de comentarios de espectáculos en la página Arte y Teatro. Los domingos se publica Desde Hollywood con cables proporcionados por la agencia Associated Press.

1921

Se estrena The kid, el primer largometraje de Charles Chaplin y The four horsemen of the Apocalypse de Rex Ingram con Rodolfo Valentino.

La serie informativa Gráficos del Ecuador filmada por Ambos Mundos exhibe en el Edén y Olmedo de Guayaquil, las cintas denominadas de propaganda nacional que aspiran exhibirse internacionalmente. Lucen rótulos en inglés: Visita del buque escuela General Baquedano; Escuadrilla de submarinos de los EEUU visitando Guayaquil; Salida de las tandas de vermouth en el Edén y el Olmedo; Revista y desfile del cuerpo de bomberos; Inauguración de la escuela de Aviación; Fiestas del 18 de septiembre en Guayaquil; Vista panorámica general de Guayaquil a vista de pájaro.

Ambos Mundos produce Los funerales del General Eloy Alfaro, “la más impresionante y bella de las películas cinematográficas nacionales”, según la información de la época. El presidente había sido asesinado en 1912 en Quito. Sus exequias se cumplieron en Guayaquil 9 años después. La edición fue de Rivas film.

1922

En EE.UU. nace la organización Hays (M.P.P.A.) que busca velar el cumplimiento de la moralidad en las películas.

Ambos Mundos y José Ignacio Bucheli filman las Festividades del Centenario de Independencia (1822-1922) en 2400 metros de reseña histórica que se proyectan al año siguiente.

1923

Se estrena Gösta Berlings saga de Mauritz Stiller, con Greta Garbo.

El sacerdote italiano Carlos Crespi, doctorado en Ciencias Naturales, Música e Ingeniería Hidráulica, llega al Ecuador. El se destaca, posteriormente como importante  difusor del cine en Cuenca. Llega para recoger en la Región Amazónica, el  material que exhibiría en la Primera Exposición Misionera Salesiana de Roma.

Wladimir Zworykin, un exiliado ruso que trabaja para la RCA, patenta el tubo de rayos catódicos, invento que será fundamental para la creación de la televisión.

Se filma el argumental Canción de Cuna, homónimo de la obra del español G.Martínez Sierra. Participan Dolores Gangotena de Ponce, Inés Gangotena, Magdalena de Granizo. Miguel Angel Alvarez, distribuidor de la Pathé, facilita la cámara y Roberto Cruz hace cámara y dirección para esta filmación que no tiene exhibición pública.

Se funda la Arts Film denominada Teatro Ecuatoriano del Silencio. La iniciativa e impulso es del actor italiano Carlo Bocacio y  Augusto San Miguel. Se proponen formar a mímicos capaces de actuar en las comedias y  dramas más difíciles, como si fueran los nuevos Chaplines o Valentinos. El costo mensual asciende a 15 sucres y la escuela ofrece profesores de declamación y simulaciòn, camerinos de caracterización, squettes de decorado, ropero de la época, vitralería para combinación de luz y perspectiva,  utilerías, gabinete de mecánica fotográfica. Funciona en el  frontón Bety Hai y sirve como estudio de filmación. La escuela dura apenas dos años (1923-1925), cuando concluyen las filmaciones argumentales de Augusto San Miguel.

1924

Estrenos trascendentes: Los Nibelungos de Fritz Lang y Our hospitality de Buster Keaton.

El 7 de Agosto de 1924 se exhibe el primer largometraje con argumento: El Tesoro de Atahualpa. Primera de una serie de filmaciones de la recién inaugurada empresa Ecuador Film Co., gerenciada y financiada por Augusto San Miguel, joven guayaquileño que impulsa una saga significativa para la cinematografía nacional. Actúa la primera actriz nacional Evelina Macías cuyo nombre artístico es Evelina Orellana o Evelina Nayoor.

El 24 de Noviembre se estrena el segundo argumental de la Ecuador Film Co.: Se necesita una guagua. Augusto San Miguel actúa, dirige y produce. El tema satiriza un levantamiento conservador contra un supuesto  fraude electoral del partido liberal. Actúan los integrantes del Centro Cultural Felix Valencia, entre ellos Humberto Dorado Pólit, Mélida e Hilda Vizuete y Lucrecia Bosch.  Se exhibe junto a  Panoramas de Ecuador, de la misma empresa.

1925

En medio del decenio del veinte, florece el cine europeo y un número importante de estrellas que están en pleno ascenso son contratadas por Hollywood. Es el caso del actor Bela Lugosi (Drácula); exitosos directores alemanes como F.W Murnau (Nosferatu), Ernest Lubitsch (To be or not be, Heaven can wait385); los productores Alexander Korda, el director Michael Curtiz (Casablanca); la actriz Greta Garbo, entre otras.

El 7 de Febrero se estrena el tercer argumental de la Ecuador Film Co.: Un abismo y dos almas. Se promociona como una sanción para los hacendados desalmados que maltratan a los indios. Actúan: Aracely Rey, Erick Van Den Enden, Humberto Dorado Pólit y Augusto San Miguel quien  dirige, produce,  construye el guión y  protagoniza al indio Juan.  Este último argumental se proyecta con Actualidades Quiteñas donde posa el Presidente de la República Gonzalo Cordova y se mira la fiesta carnavalesca de los universitarios quiteños.

Estrenos importantes: El acorazado Potemkin de Sergei M. Eisenstein. The gold rush de Charles Chaplin. Greed de Eric von Ströheim.

El 20 de Abril se estrena la última filmación de la Ecuador Film Co.: El Desastre de la Via Férrea.  Cámara en mano, se asumirían riesgos inobservados, hasta la fecha:  “La verdad sobre el desastre de la línea férrea la conocerá hoy.  En un esfuerzo cumbre se demuestra a los ecuatorianos la verdadera situación del país. La desgracia ha dejado caer sobre nosotros todo su poder destructor, pero contra esa fatalidad, se levanta altiva y pletórica de vida, de energía y de fe, la virilidad y patriotismo ecuatoriano. Exhibiciones permanentes a las 5 y media, 6 y media, nueve, diez y once de la noche.”

1926

Presentación en el Warner Theatre de Nueva York de Don Juan de Alan Crosland, primer filme sonorizado a partir del procedimiento Vitaphone.

Carlo Bocaccio y el camarógrafo José Ignacio Bucheli filman el documental Sobre el Oriente Ecuatoriano: “copiando del natural la vida de sus pobladores y sus extraños quehaceres”.

Se estrena el documental Olimpiadas de Riobamba junto al Match trágico de Tito Simón. La primera película olímpica filmada a diez mil personas. Las delegaciones marchan al son de la banda de músicos El Prado. Filma la empresa Ocaña Film denominada la Petit Paramount.

Carlo Bocaccio, con apoyo de Guayaquil Film Co., gerenciada por Emilio López Mosquera, exhibe el denominado  poema nacional, Soledad,  con guión de Rodrigo Chávez González,  cámara de Rodrigo Bucheli y actuación de  Evelina Macías.

1927

En el Sucre de Quito y con la  presencia del Presidente de la República  se estrena: Los invencibles shuaras del alto amazonas. Dos mil quinientos metros de negativo que presentan  cincuenta escenas diferentes para llegar a estimar a la raza jíbara y al heroísmo de los misioneros.

El francés Henri Chrétien inventa la lente Hypergonar, mejor conocida como lente anamórfica. Una vez que esta lente se inserta en la cámara comprime casi a la mitad la imagen registrada en el fotograma, en sentido horizontal. Colocada en un proyector, la imagen se expande nuevamente.

Se estrenan The jazz singer, primer filme hablado y cantado (aunque tenía más canciones que diálogos).

También se estrenan Napoleón de Abel Gance, La pasión de Juana de Arco de Carl T. Dreyer y Ben-Hur de Fred Niblo.

Se abren las puertas del teatro Hollywood Boulevard con la premiere King of Kings386, de Cecil B. DeMille.

En mayo se crea The Academy of Motion Picture Arts and Sciences387. Douglas Fairbanks Senior es el primer presidente.

1928

Ocaña Film presenta sus Actualidades No.1: “Derrotó el Perú en verdad por once goals a cero al Ecuador? Esta es la pregunta que circula de boca en boca por todo el país y son muchos los que dudan de una verdad tan clara como la luz del día pero, si alguien insiste en dudar, puede asistir pasado mañana al Teatro Olmedo, al estreno de FBC de Lima versus Rocafuerte. Allí podrá ver al pùblico llegando al Stadium Municipal. Entra al fiel el equipo peruano dando las hurras de estilo. Llega el equipo local Rocafuerte. Los capitantes de ambos equipos. El señor Ministro de Deportes y el Cónsul del Perú en Guayaquil saludando a los equipiers. El entrenador del equipo Berdioka y el cronista deportivo de El Telégrafo.El señor ministro de deportes dando el kick-off. Diversas  fases del match que ganó el equipo visitante por 11 goals a cero. Durante un vuelo militar sobre el Stadium, un avión de la escuela militar se ve olligado a aterrizar forzosamente. Estado en que quedó el aparato con el tren de aterrizar destrozado, habiendo resultado ileso su piloto el señor Luis A. Mantilla”.

La Academia de Artes Cinematográficas y Ciencias de Hollywood realiza la primera entrega de los premios Oscar. Wings388 de William A. Wellman gana el premio a la mejor película; Emil Jannings (The way of all flesh389 y The last command390) al mejor actor; y Janet Gaynor (Sunrise, Street angel y Seventh heaven391) a la mejor actriz.

El chileno Alberto (Pérez) Santana(1899-1966), pionero del cine silente y sonoro en Sudamérica, llega al Ecuador en 1928. Se promociona representante de la empresa chilena Valk Film. Le contrata la  Olmedo Film  guayaquileña para quien realiza sus  primeros trabajos en Ecuador: Una visita a la ciudad ecuatoriana de Guayaquil, y,  Chimborazo. De otra parte,  propone los primeros registros sonoros que no se concretan: Bajo el cielo ecuatoriano y  El pasillo vale un millón. En lo posterior, dirige, produce y hace càmara y guión para varios largometrajes. Entre 1928  y 1966, fecha de su muerte,  recorre América filmando películas silentes y sonoras. Su última filmación en Ecuador es Nace un campeón  (1965). Contrae matrimonio con la ecuatoriana Elvira Estrada Cevallos y  procrea dos hijos ecuatorianos (1935).

Estreno de Lights of New York (no confundir con City lights de Chaplin) de Bryan Foy, primer filme totalmente sonoro.

Primeros dibujos animados de Mickey Mouse (el Ratón Miguelito de Walt Disney) y de Betty Boop (creación de Max Fleischer).

Rouben Mamoulian, un director de Broadway de gran éxito, revoluciona el cine con el estilo elegante y fluido de sus películas, entre las que se encuentran Aplause. Esta película es la primera en utilizar una revolucionaria técnica de sonido con una banda sonora de dos canales con diálogo sobrepuesto.

1929

Se estrena la primera película de turismo Un viaje por Manabí. La dirige Rodrigo Chávez González y cámara de Manuel Ocaña Dorado. Se mira a la a la hermana del general: Doña Manuela Alfaro viuda de Cajigal.

Aficionados ambateños filman en Quito el western denominado El terror de la frontera. Incluye imágenes montadas de un western norteamericano. Dirige Luis Martínez Quirola con guión de Enrique Holguín Chacón. Actúan Maria Teresa Quirola, Mery Holguín, Rodrigo Pachano, Carlos Ruales, entre otros.

Se filma Ecuador Noticiero Ocaña Film que incluye el saludo del cuerpo diplomático al posesionado presidente ecuatoriano Isidro Ayora. La filmación ocurre entre 1929 y 1931 y bajo un estilo de revista o maganize que incluye rótulos en inglés, se evidencia la gestión de Ayora en su gobierno: Asistencia Social, Maternidad, Salubridad, Educación, etc.

1930

El sonido revoluciona Hollywoodlandia en la década de los 30. Las películas sonoras descubren las voces de los actores favoritos del público. La enigmática estrella del cine mudo Greta Garbo, deja escuchar su profunda voz en Anna Christie (1930).

El 21 de Septiembre se estrena el argumental sonorizado en vivo: Guayaquil de mis amores. “Ya lo han visto setenta mil personas, faltan solo treinta mil para que lo vea todo Guayaquil… Mientras haya luz en las ciudades dormidas y se escuche en el silencio de la noche el barullo ensordecedor de una orquesta, habrá siempre mujeres hermosas que irán a quemar sus alas al resplandor subyugante de sus fanales…”

La produce Ecuador Sono Films, empresa liderada por Alberto Santana. El disco homónimo lo graba el Dúo Ecuador que lo integran  Nicasio Safadi y Enrique Ibáñez Mora. La sonorización en vivo la cumple el Dúo Ibáñez Antepara.

1931

El 27 de Febrero se exhibe el argumental La Divina Canciòn de los Talleres Cinematográficos de Francisco Diumenjo.  La Direcciòn artística es de Alberto Santana.

El argentino Quinto Cristiani, uno de los dibujantes de El apóstol (ver en esta misma cronología el año 1917), es el responsable del primer largometraje de dibujos animados sonoro en color: Peludópolis (1931), que también fue una sátira contra Yrigoyen al que apodaban El Peludo.

En Italia se fundan los estudios Cinecittà.

El rodaje de The Front Page (1931) combina una cámara móvil con un diálogo ocurrente y rápido y una edición de mucha más velocidad para la época.

La empresa Olmedo contrata al Ingeniero electricista Jerome Kleker, la instalación de  equipos de proyección de películas parlantes. Se instalan en el teatro Edén que dispone de la mayor capacidad de butacas en Guayaquil: el Parisiana (1920)  para 1 600 personas,  Ideal (1922) para 1 700 personas, Olmedo para 1 500 personas, Edén para 4000 personas. Ver: Municipio de Guayaquil, Álbum guía de la ciudad de Guayaquil, Imprenta y Talleres Municipales, Guayaquil, 1929, p. 24.

Se estrena el argumental Incendio dirigido por Alberto Santana quien pone en acción al Cuerpo de bomberos y a más de dos mil extras para un ejercicio realista que utiliza varias cámaras y locaciones. Se emplean pirotécnica, trucaje y efectos especiales a cargo de Werner Hundhausen, ex técnico de la Agfa Berlín. La película consta de  8 rollos procesados en “diversos colores” en Laboratorios Jeremías. Actúan Zoila Luz Arízaga y Santiago Campodónico.

1932

The Eastman Kodak Company crea el formato de 8 mm. Antes de este año las filmaciones domésticas eran potestad del formato de 16 mm, usado únicamente por la gente adinerada. Gracias al nuevo formato de 8 mm la gente de clase media puede filmar vacaciones familiares, bodas y eventos especiales.

Luis Alberto Sánchez, escritor y posterior Vicepresidente del Perú (1988) se asocia con el escritor ecuatoriano Pablo Palacio para distribuír películas alemanas en las salas de cine del país.

Se estrena el primer corto a colores: Una cinta de dibujos animados de Walt Disney, Flowers and Trees.

Scarface de Howard Hawks, paradigmática obra del género de gangsters.

Después de 1932, el proceso de mezcla de sonido libera al cine de las limitaciones de tener que grabar el sonido en el lugar de rodaje.

Benito Mussolini instituye el Festival de Cine de Venecia, certamen al que utiliza como plataforma propagandística del fascismo italiano.

1933

En Alemania, Joseph Goebbels funda la Reichsfilmkammer.

Se inaugura en Quito el teatro Bolívar,  Empresa de Teatros y Cinemas, el más grande de la ciudad de Quito y con una capacidad de 2.300 butacas.  Se estrena con  el filme El Signo de la Cruz de Cecil B de Mille, al que asisten invitados especiales que incluyen al Presidente de la República.

1934

En EE.UU. empiezan a regir normas sobre el contenido sexual, religioso y de violencia en los filmes. El organismo Production code ya había fijado estas leyes en 1930.

El ibarreño Carlos Endara convoca a una función privada en el Teatro Bolívar para exhibir filmaciones llamadas: De Guayaquil a Quito,  con escenas de: Viaje en el ferrocarril. Guayaquil moderno, grandes embarcaciones en el puerto, industria, movimiento turístico. Quito antigua y moderna, Hospital Eugenio Espejo, Ejercicio Mlitares, Tennis Club, La Eléctrica, Claustros quiteños, edificios públicos en Ibarra. Viaje a Otavalo, Hacienda y fábrica de tejidos, entre otros.  Su interés es presentar un Ecuador completo que no solo consagre la visión de las “escenas indias o fiestas de los campos”

1935

Se estrena Becky Sharp (1935) de Rouben Mamoulian, el primer largometraje a colores.

Los guiones empiezan a tener diálogos ocurrentes y personajes y argumentos realistas. Así mismo, surgen los géneros cinematográficos. Entre ellos el policial, el western, el musical, el cine de terror, entre otros.

En el decenio del treinta, el lado comercial del cine estadounidense está dominado por cinco estudios: Twentieth Century Fox, Metro-Goldwyn-Mayer, Paramount, Warner Bros. y RKO Radio. Estos estudios mantienen una influencia total sobre los actores, escritores, directores y los productores durante todo el decenio de los cuarenta.

Los jefes de producción de los principales estudios, Irving Thalberg (MGM), David O. Selznick (RKO, MGM), y Darryl Zanuck (Fox), suelen confiar en los presidentes de las empresas para tomar decisiones sobre las películas que se van a rodar. Thalberg es responsable de varias cintas ganadoras del Oscar a la mejor Película, entre ellas Grand Hotel (1932), Mutiny on the Bounty (1935) y The Great Ziegfeld399 (1936).

David Selznick renuncia a su puesto en la MGM y funda Selznick International Pictures.

Se empieza a construír el teatro-cine  Capitol en Quito, con una inversión de 45 mil sucres y la administración de Enrique Gallardo, Gustavo Navarro Puig, Sergio Alcívar y Enrique Maulme.

1936

Olympia de Leni Riefenstahl incluye una de las primeras tomas en cámara lenta de la historia del cine. Los alemanes usan el término zeitlupe (lente del tiempo) para designar a este procedimiento que muestra la realidad a 36, 48 o 72 cuadros por segundo. Los anglosajones usan el típico slow motion o ralentí. Este último un vocablo del metalenguaje automotriz.

El sueco Rolf Blomber filma su primera película en Ecuador: Vikingos en las islas de las tortugas Galápagos. Tiene auspicio de la Swenks Filmindustry y la Televisión Sueca.

1937

Blomberg realiza en el Oriente ecuatoriano: Los cazadores de cabezas.

Los adelantos en los procesos de efectos especiales hacen posible rodar en decorados económicos en lugar de tener que gastar grandes cantidades en desplazamientos a escenarios naturales. Dos buenos ejemplos de estos rodajes con decorados son The Hurricane y Captains courageous, estrenados este año.

Se estrena Snow White and the seven dwarfs, el primer largometraje de dibujos animados de Walt Disney.

El 7 de Noviembre y en la extrema pobreza, muere Augusto San Miguel Reese,  pionero del cine de ficción, el  teatro y otras actividades culturales, políticas y gremiales. A sus funerales asiste una multitud identificada con su prolífica obra.

Se abre en Los Ángeles el primer cine al aire libre para automóviles.

1938

Finalizando la década, MGM promete «más estrellas de las que hay en el firmamento». Es el estudio que tenía contratados a los nombres más importantes: Joan Crawford, Clark Gable, Myrna Loy, William Powell, Greta Garbo, Norma Shearer, Jean Harlow, Robert Montgomery y Spencer Tracy, entre otros.

Nace el festival de Cannes que tiene que ser interrumpido durante la segunda guerra mundial.

1939

David Selznick y su Selznick International Pictures realiza Lo que el viento se llevó (1939), su mayor éxito. En esa película Selznick insiste en usar palabras de grueso calibre para la época. En boca del galán Clark Gable se escucha: «Frankly, my dear, I don´t give a damn». Por utilizar esa palabra (damn) en desafío de las ordenanzas se le impone una multa de $5.000 dólares.

Alberto Santana intenta, por enésima vez, filmar el primer sonoro en Ecuador: El pasillo vale un millón. No encuentra financiamiento.

1940

Al inicio de esta década, el mundo empieza a alistarse para la guerra y la industria cinematográfica cumple un papel fundamental en el proceso de preparar a la gente, realizar propaganda, difundir noticias, producir documentales y servir como medio para difundir moral y principios.

Alfred Hitchcock, quien recientemente había migrado a América, dirige Foreign Correspondent, una película que termina con una súplica a los Estados Unidos para que reconozcan que los nazis son una amenaza muy peligrosa en Europa y que ellos deben involucrarse con la causa.

Charlie Chaplin protagoniza y dirige en su primera película hablada The Great Dictator, una historia de guerra antifascista y satírica.

Se exhibe el documental Nuestras víctimas al desnudo dirigido por Alberto Santana. Describe y previene el problema de las enfermedades venéreas. Auspicia el Dr. Leopoldo Izquieta Pérez, Director de Salud.

1941

En 1941, Orson Welles, un joven de 25 años enamorado del cine, co-escribe, dirige y actúa como protagonista de Citizen Kane, considerada la mejor película en la historia del cine.

1942

Se estrena Casablanca, dirigida por Michael Curtiz. Llama la atención el papel de Humphrey Bogart que refleja la neutralidad norteamericana de antes de la guerra con la famosa frase «I stick my neck out for nobody».

La película más famosa del actor y futuro Presidente de EE.UU., Ronald Reagan, es Kings Row en la que el personaje, luego de perder en un accidente sus piernas, dice: «Where’s the rest of me?».

1943

Walt Disney incluye a Ecuador en un viaje por Sudamérica en el que se embarcan animadores, compositores y artistas gráficos. El resultado fue un par de películas: Saludos, amigos (1944) y The three caballeros (1945). En esta última se aprecian las Islas Galápagos y la ciudad de Quito. Mezcla de animación en vivo y dibujos animados ambos filmes constituyen un homenaje a la latinidad.

Edmundo Hernández Jijón, famoso ventrílocuo ecuatoriano conocido como Paco Miller filma en México en 8 mm el monólogo El que la hace la traga, con el cómico mexicano Germán Valdez con el crédito de Topillo Tapas. Más adelante, Valdez usaría el apelativo de Tín Tán.

1944

La Asociación de la Prensa Extranjera de Hollywood entrega los primeros Globos de Oro. La mejor película es Bernardette’s song.

1946

Marco Tulio Lizarazo y los Hermanos Acevedo de Colombia, realizan en Ecuador dos cortometrajes publicitarios: Turismo en Ecuador y Ferrocarriles Nacionales

Primera edición oficial del Festival de Cannes.

Roma, ciudad abierta de Roberto Rosellini.

Revelación en Europa del cine mexicano con el estreno de María Candelaria de Emilio Fernández en Cannes.

El Technicolor, la técnica que permite ponerle color a las películas desarrollada a finales de los años treinta, es utilizado muy poco en los cuarenta, como consecuencia de la generalizada reducción de costos que implantan los grandes estudios durante la guerra.

Al final de la década, las películas hechas en acetato remplazan a las de celulosa de nitrato que eran inflamables y que causaron el deterioro de muchas películas antiguas.

Enrique Troya filma en Riobamba La feria agropecuaria.

1947

El sueco Rolf Blomber realiza Huaoranis, cofanes y Shuaras en la región oriental.

La academia de Hollywoodlandia instaura el Special Achievement Award para el mejor filme extranjero, sin necesidad de que existan candidatos. Años después esta categoría en los Oscar se llamará Best foreign language film. Esta modalidad de premiación dura hasta 1955 en que cinco nominados (previa selección) empiezan a competir por el Oscar.

1948

Muere el director ruso Sergei M. Eisenstein, autor de El acorazado Potemkin.

Se estrena Jour de fête411 de un nuevo cómico, Jacques Tati, Monsieur Verdoux de Charles Chaplin, Ladrón de bicicletas de Vittorio de Sica, The third man de Carol Reed y Hamlet de Laurence Olivier.

Para el final de la Segunda Guerra Mundial, el género que se asocia más con las películas de Hollywoodlandia es el film noir, un género que refleja una sociedad que va perdiendo sus valores.

Se estrena en Quito, el filme argentino Las Tres Ratas basado en la obra homónima del escritor ecuatoriano Alfredo Pareja Diezcanseco.

1949

Se estrena en el teatro Capitol el noticiero Democracia en Latinoamerica realizado por Ecuador Films.

Ecuador Sono Films, de Alberto Santana convoca a un concurso de simpatía y aptitud para protagonizar el primer filme parlante nacional: Se conocieron en Guayaquil.  El filme se estrena el 23 de Diciembre bajo la dirección técnica de Alberto Santana, direccion escénica de Paco Villar, y los protagonistas: Antonio Arboleda, Charny Dager, Olga Eljuri, Carmen Rivas, Luchita Villar, etc.

1950

Estreno de Los olvidados de Luis Buñuel.

Se exhiben cintas de promoción turística con  auspicio de la Presidencia de la República: Sombreros de Panamá hechos en Ecuador. Extraña fauna de las Islas Galápagos, Selvas tropicales de Ecuador, Exploraciones petroleras en el Oriente, Imbabura, la región más bella del Ecuador, Quito ciudad de contrastes.

La Asociación de la Prensa Extranjera de Hollywood entrega el primer Globo de Oro al mejor filme extranjero. Ladrón de bicicletas de Vittorio de Sica gana dicho honor.

Ecuador Sono Films y Alberto Santana producen y dirigen el segundo argumental parlante: Pasión Andina o Amanecer en el Pichincha. Actores: Paul Feret, Salomón Rosero, Martha Elvira Jácome, Jorge Fegan, Oscar Guerra.

Rashômon de Akira Kurosawa causa furor en el Festival de Venecia.

Se exhibe el noticiero Quito gran ciudad en marcha de la Ecuador Sono Films.

Primer Festival de cine de Berlín.

1951

Los estudios de cine en Norteamérica empiezan a concebir formas de ganar dinero con la televisión: transforman sus estudios y empiezan a rodar más horas de película para la pantalla chica. Las estrellas de televisión se convierten en estrellas de cine. Uno de los primeros es Charlton Heston.

La Asociación de la Prensa Extranjera de Hollywood que entrega los Globos de Oro separa el premio al mejor filme en dos categorías: Mejor drama y mejor musical o comedia.

El guayaquileño Gabriel Tramontana funda Industria Cinematográfica Ecuatoriana C.A. con laboratorios para revelado. Este asume, durante cuatro décadas,  una vastísima obra de promoción fílmica para instituciones públicas y privadas.

1952

Hollywood continúa utilizando medios nuevos para seducir al público: Cinerama, 3D cinema y CinemaScope. La gigantesca pan­talla envolvente de Cinerama hace su aparición durante este año. Esta técnica exige tres cámaras, tres proyectores y pantallas semicurvas entrelazadas. La primera película que se rueda con este medio fue This is Cinerama (1952). Aunque el invento produce unos pocos éxitos más, se abandona cuando deja de ser una novedad; además, el equipo y la construcción de salas especiales resultan demasiado caros.

Estas gafas especiales hacen que las imágenes salten de la pantalla, pero no llegan a ser muy populares porque las imágenes se ven algo borrosas. El efecto de tres dimensiones no puede compensar el hecho de que la mayoría de las películas son de contenido superfluo.

Los años cincuenta son la era de Cecil B. DeMille y sus megafilmes como The ten commandments412. Los presupuestos aumentan y con ellos la duración de las películas. La mayoría de los espectaculares largometrajes que Hollywood produce en esta época se desarrollan en Grecia, Roma o en los tiempos bíblicos.

1953

El periodista cuencano Agustín Cuesta,  quien desde 1946 filma en Colombia con los hermanos Acevedo, inicia en Ecuador una serie de reportajes sobre las ciudades: Cuenca en colores, Ambato en colores, Quito en colores, Riobamba en colores, etc.

El cine con truco, como el de tres dimensiones, requiere que el público lleve gafas especiales polarizadas. Las películas rodadas de esta forma, y que se estrenan este año, son generalmente de terror, ciencia-ficción y musicales: House of Wax, Kiss Me Kate, It Came From Outer Space.

La afluencia de público a las salas de cine de Norteamérica declina con la expansión de la televisión. NBC se convierte en la primera cadena de televisión de EE.UU. Ellos también son los primeros en retransmitir la ceremonia de entrega de los premios Oscar.

1954

Se estrena Muerte de un ciclista de Juan Antonio Bardem (padre de Javier), Senso de Luchino Visconti, y La strada de Federico Fellini.

El Cinemascope es uno de los primeros de los procesos de pantalla ancha en los que los estudios de cine invierten en su guerra contra la televisión. Otros son VistaVision, SuperScope, 70 Mm., Panavision-70, Technirama y Ultra Panavision.

El documentalista boliviano Jorge Ruiz realiza en Ecuador Los que nunca fueron con guión de Oscar Soria y participación del médico ecuatoriano José Alberto Gómez de la Torre. Se refiere a la erradicación de la malaria.

1955

Hitchcock usa VistaVision en algunas de sus películas más famosas como To Catch a Thief (1955), The Man Who Knew Too Much (1956), Vértigo (1958) y North by Northwest414 (1959).

La Asociación de la Prensa Extranjera en Hollywood empieza a entregar Globos de Oro a lo mejor de la industria televisiva.

El mundo del silencio, del comandante Jean-Yves Costeau, es el primer gran filme en colores sobre una exploración submarina.

La película en blanco y negro Marty (1955) es la primera, de origen norteamericano, en recibir el galardón a la Mejor Película en el Festival de Cine de Cannes desde que se creó el premio. Gana, además, cuatro premios de la Academia, uno de ellos a la Mejor Película. Nada mal para un filme que fue concebido para la televisión y luego fue transferido a formato de cine.

El escritor ecuatoriano Demetrio Aguilera Malta (1906-1981) estrena los documentales: Los salasacas, Los colorados, Ecuador en marcha, Exposición de Artesanías y Exposición de Instrumentos Musicales. En 1949, Aguilera escribe el guión y dirige la filmación en Chile  del largometraje  La Cadena Infinita y  recrea  el éxodo de europeos a América. En Brasil se  proyecta como O pecado dos outros. Allí  funda Arco Iris Film con la que dirige y produce: Entre dos carnavales (1950).  En Colombia realiza  Dos Ángeles y Medio (1957) denunciando la situación de los gamines.  En México aporta con dos guiones cinematográficos: No somos islas y  El sol sale para todos (1980).  En 1996 el yugoslavo Carl West adapta para la televisión ecuatoriana: Siete lunas siete Serpientes,  su célebre novela. En su homenaje, el gremio de cineastas ecuatorianos ASOCINE convoca,  entre 1992 y 2001,  el Festival de cine y video ficción Demetrio Aguilera Malta.

1956

Los estudios venden los derechos de retransmisión por televisión de las películas rodadas antes de 1948. The wizard of Oz (1939), largometraje en technicolor, se ve por primera vez en televisión en noviembre de 1956.

Jorge Enrique Adoum inicia las actividades el Cine Club Quito, anexado a la Casa de la Cultura Ecuatoriana, con el estreno del filme Todos somos asesinos de André Cayatte.

Se filman tres épicas innovadoras: The Ten Commandments, Giant y Around the World in 80 Days415; en este último título hace su primera aparición en Hollywoodlandia el mexicano Mario Moreno Reyes, alias Cantinflas.

La película turística Un viaje a Galápagos de Gabriel Tramontana recibe mención honorífica en el Primer Festival Interamericano de la película turística que se convoca en San José de Costa Rica.

La firma Ampex lanza al mercado la primera videograbadora o magnetoscopio donde la señal (vídeo y audio) queda registrada en una cinta de dos pulgadas de ancho. El aparato no es en lo absoluto portátil, pues resulta demasiado grande para ser manipulado.

1957

Se exhibe documental La coronación de la Dolorosa de Quito, filmado por Agustín Cuesta. Participan estudiantes de colegios religiosos.

Se estrena Sorpresas limeñas de Rafael Seminario, primera película de animación peruana.

1958

El teatro Universitario de Quito exhibe el primer festival de cine soviético Sovcolor. La comisión organizadora la preside el escritor Edmundo Ribadeneira.

1959

Hiroshima mon amour de Alain Resnais supone el inicio de la nouvelle vague.

Estreno de Fresas salvajes de Ingmar Bergman y La aventura de Michelangelo Antonioni.

Gabriel Tramontana y su Industria Cinematográfica Ecuatoriana, filma la obra pública del gobierno de Camilo Ponce Enríquez. Se destaca la construcción de Puerto Nuevo en Guayas, Obras portuarias en Manta, Construcción de hospitales, edificios públicos e infraestructura vial. Informes anuales del gobierno, notas sociales e internacionales. Se exhiben en las salas de cine del país.

En el teatro Universitario se estrena el largometraje Mariana de Jesús, Azucena de Quito, producida por Equinoccio Films y dirigida por Paco Villar. Actúan: Francisco Tobar, Julian Terneux, Pilar Salvador, Maria Eugenia Laso. Al estreno asisten autoridades civiles, militares y religiosas.

1961

Se estrena el filme de ficción Los Guambras, auspiciado por el Ministerio de Educación e Industria Fílmica Ecuatoriana. La dirección y argumento de Jaime Corral Valdez, dirección técnica de Gabriel Tramontana. Protagonizan los niños: Vladimir Serrano, Antonio Noboa Erazo y Jorge Salazar Castro.

Primeras manifestaciones del cinema vérité: Chronique d´un été419 de Jean Rouch y el sociólogo Edgar Morin.

TWA Airlines es la primera aerolínea en exhibir en pleno vuelo una telenovela, By Love Possessed (1961) protagonizada por Lana Turner.

Con la muerte de los magnates del cine Louis B. Mayer de MGM y Harry Cohn de Columbia, el sistema de los estudios cinematográficos —en el que un artista sólo podía trabajar para un determinado estudio— empieza a desaparecer. De esta forma, compañías multi-nacionales se apoderan de los más importantes estudios.

El documentalista Santiago Álvarez filma en Quito una marcha de protesta a favor de la Reforma Agraria.  Las imágenes forman parte del Noticiero Latinoamericano del ICAIC.

1962

La televisión norteamericana empieza a servir de entrenamiento para muchos directores en este nuevo decenio. Algunos de los que comienzan sus carreras en televisión acaban creando algunas de las mejores películas que surgirán en los años sesenta: To Kill a Mockingbird416 de Robert Mulligan, The Manchurian Candidate417 de John Frankenheimer y Bonnie & Clyde418 de Arthur Penn.

1963

La cinta Cleopatra cuenta con una pareja memorable: Elizabeth Taylor y Richard Burton. Pero, al contrario de lo que se espera, esta película lleva casi a la ruina a la 20th Century Fox. Rodada en Roma, cuenta con escenarios sumamente lujosos y extravagantes, se utilizan miles de vestidos para el reparto y solo el guardarropa de Elizabeth Taylor tiene un costo de casi $ 200.000. Al final, termina costando $44 millones de dólares; sin embargo, Fox se salva de la ruina por el éxito de películas como The Longest Day420 y el triunfo inesperado de The Sound of Music421 dos años después.

1964

Se estrena el cortometraje La feria de Jesús del Gran Poder producida por Manolo Cadena Torres.

El español Alberto Borges, periodista de Revista Vistazo, filma el corto de ficción Historia de un payaso.

1966

Se inaugura el Cine Club Universitario en la Universidad Central del Ecuador con la dirección de Ulises Estrella. Se estrena el filme Elektra de Michel Cocoyannis. Se propende crear un grupo especializado de cine debate.

1967

El Municipio de Guayaquil convoca al Concurso de Cine Estrella de Octubre. Premia a Alberto Borges por el corto Pasos y a Elio Armas por el corto Carbón

1968

El festival de Cannes finaliza de forma súbita debido a las revueltas estudiantiles de mayo.

Este es el año de 2001: A Space Odyssey, la película más exitosa de ciencia-ficción de la década, que trata sobre la vida futura del hombre y su eterno sueño por conquistar el espacio. Es merecedora al Oscar de la Academia en la categoría de mejores efectos visuales y es nominada en las categorías de mejor director, mejor guión cinematográfico, y dirección artística. Directores como George Lucas son influidos por los efectos especiales de Kubrick como veremos en Star wars.

El cristo de nuestras angustias de Alberto Borges recibe el Primer premio de cine Estrella de Octubre que otorga  la Municipalidad de Guayaquil.

Rof Blomberg filma el documental Alfredo, un chico betunero de Guayaquil.

1969

George Smith y Willard Boyle inventan en Estados Unidos la primera CCD o Charge Coupled Devices en los Laboratorios Bell. Una CCD es la precursora de los chips, es una memoria electrónica que puede ser recargada a través de electricidad. La CCD revoluciona los campos de la astronomía llegando a ser parte de telescopios como el Hubble.

En el tercer número de la revista Cine Club Universitario se comenta sobre El falso cine ecuatoriano, a propósito de la reiterada co-producción  ecuatoriano-mexicana con títulos en los que se utiliza el paisaje nacional y artistas conocidos en el país como Ernesto Albán, Julio Jaramillo, etc: Romance en Ecuador, Caín, Abel y el otro, Sos conspiración bikini, Peligro, mujeres en acción, Cómo enfríar a mi marido, 24 horas de placer, etc.

1970

Inicia actividades el Cine Foro de la Casa de la Cultura Núcleo del Guayas bajo la dirección de Gerard Raad Dibo.

Aunque los grandes estudios siguen dominando la distribución de las películas, otros sectores de la industria, como la producción, el rodaje y el financiamiento están cada vez más en manos de estudios y productores independientes. En los años setenta aparecen los actores-productores (Michael Douglas), directores-productores (Warren Beatty), guionistas-productores, directores-actores-guio­nistas (Woody Allen) y actores-guionistas (Buck Henry).

1971

Gustavo e Igor Guayasamín realizan el cortometraje Guangaje, día de los muertos.

El Grupo Kino estrena el documental Minga, con auspicio del Ministerio de Salud.

1972

Paul Newman, Sydney Portier, Robert Redford y Barbra Streissand forman la compañía productora First Artists. En orden cronológico inverso damos algunos de los títulos producidos por esta compañía: Tom Horn (1980) con Steve McQueen. The Main Event422 (1979) con Barbra Streisand. Agatha (1979) con Vanessa Redgrave y Dustin Hoffman. A Star Is Born423 (1976) con Streisand otra vez. The Life and Times of Judge Roy Bean (1972) y Pocket Mo­ney425 (1972), ambas protagonizadas por Newman.

Durante el denominado boom petrolero, varios productores como Cuesta Ordóñez, Industria Cinematográfica Ecuatoriana. Rodrigo Granizo, José Corral,  Empresa Granda, Cadena y Gallardo, entre otros, filmar la obra pública del gobierno nacionalista revolucionario del General Rodríguez Lara. En muchos casos como testigo de obra de construcciones monumentales como el oleoducto transecuatoriano o informes de gobierno, etc.

1973

Gustavo e Igor Guayasamín realizan el cortometraje Primero de Mayo.

Fredy Elhers y José Corral realizan el cortometraje 30 años de vida de la PUCE

1974

Gustavo Corral y el grupo KINO filman Asentamientos humanos, desarrollo y hábitat.

1975

Muere asesinado Pier Paolo Pasolini, autor de El evangelio según Mateo.

La aparición de la primera grabadora de vídeo, Betamax de Sony, y el estreno de las primeras películas en este medio, da paso a una nueva industria que supondrá una nueva fuente de ingresos para las arcas de los estudios.

En los años setenta se resucita el idilio de los Estados Unidos por Hollywoodlandia. El éxito regular de los estudios se ve garantizado con el nuevo fenómeno de los blockbusters o películas taquilleras que suelen estrenarse durante el verano como Jaws. Difundida en Latinoamérica como Tiburón, se convierte en la película más taquillera de la historia, aunque es destronada rápidamente por Star wars dos años después.

Centro Municipal de Cultura de Guayaquil, dirigido por Gerald Raad, convoca a un Encuentro de Realizadores cinematográficos  ecuatorianos en el Teatro 9 de Octubre.

Gustavo Guayasamín realiza el cortometraje El cielo para la cunshi, carajo, basado en un capítulo de la novela Huasipungo de Jorge Icaza.

El director frances Serge Witta filma en Ecuador el documental Los caminos del sol.

1976

The marathon man de John Schlesinger supone el bautizo de la steady cam. Este aparato revoluciona la forma de hacer travellings. Dos son los aportes de este aparato: primero, se trata de un ojo flotante y volador, que se puede instalar en cualquier punto, inclusive en objetos, permitiendo insólitas tomas subjetivas de cosas como platos que vuelan, flechas, balas, etc. Segundo, este aparato, inventado por Garret Brown, permite el monitoreo en vídeo lo que hace que el ojo del operador pueda despegarse de la cámara. Gracias a la steady cam existe en la actualidad un sinnúmero de sistemas con cámaras que corren y vuelan solas mientras son manejadas electrónicamente. Stanley Kubrick, cuatro años después, siste­matizaría el uso de este aparato en The shining, en la secuencia del laberinto nevado.

Se estrena Pacto andino, corto de animación del peruano Rafael Seminario, financiado por el Acuerdo de Cartagena (actual Comunidad Andina de naciones). Es la primera animación no publicitaria que se hace en el Perú.

1977

El renacimiento que en esta década experimenta el cine estadounidense lo encabezan un grupo de directores rebeldes. Entre ellos se encontraban Robert Altman (MASH), Peter Bogdanovich (The last picture show), Francis Ford Coppola (The conversation), Brian de Palma (Carrie), Alan Pakula (Klute), Bob Rafelson (Five easy pieces), Martin Scorsese (Mean Streets) y Steven Spielberg (Jaws).

El departamento de cine de la Universidad Central del Ecuador coproduce con el grupo Ukamau de Bolivia y la Universidad  Los Andes Venezuela, el largometraje Fuera de Aquí que dirige el boliviano Jorge Sanjinés. Se filma en comunidades indígenas de Tungurahua y  Chimborazo.

Convocado por el Centro Municipal de Cultura de la Municipalidad de Guayaquil, se realiza el II Encuentro Iberoamericano de realizadores cinematográficos. Gerald Raad Dibo coordina el Encuentro.

Mediante Registro oficial No. 421, se constituye y legaliza ASOCINE, Asociación de autores cinematográficos del Ecuador.  Su primer presidente es Gustavo Guayasamín. Desde esta fecha se impulsa una Ley de Cinematografía que, solo 19 años después será aprobada.

Fredy Elhers  y su documental Nuestra primera historia recibe el premio Adquisición  consistente en cuarenta mil sucres, en el Concurso Nacional de Cortometrajes organizado por el Centro Municipal de Cultura del Municipio de Guayaquil.  El segundo premio Estímulo de veinte mil sucres es  para Gustavo Valle Sornoza y su corto Naturaleza Muerta. Menciones especiales obtienen A la mitad del mundo y Arte colonial escuela quiteña de José Corral quien además hace fotografía para el corto premiado de Elhers.

1978

Se organiza el primer Festival Internacional de cine Ciudad de Quito. Ocho embajadas auspician el evento convocado por el Departamento de Cultura del Municipio de Quito.

1979

La UNP produce el cortometraje Hasta cuando padre Almeida que dirige Edgar Cevallos.

Gustavo Corral, César Alvarez, Consuelo Bustamante y Alejandro Santillán, producen  el documental Camari.

Se realiza el Primer Encuentro Nacional de Cineastas para respaldar el primer proyecto de Ley de Cine presentado por Asocine.

Se inicia la destacada participación de cine ecuatoriano en el Festival del nuevo cine latinoamericano en La Habana, Cuba.

Se filma el documental Chimborazo, testimonio campesino de los andes ecuatorianos. Co-dirigen Fredy Elhers, Rodrigo Robalino y Tom Alandt. La producción es de Sveriges Televisión Sueca

1980

En Registro Oficial No. 104, se inscribe la exoneración del 100% de impuestos a los espectáculos públicos que la Union Nacional de Periodistas, la Casa de la Cultura Ecuatoriana y la Sociedad Filarmónica, no pagarían siempre y cuando actúen como empresarios directos. Esta exoneración se extiende a la producción del cine nacional que, hasta 1983,  permite la realización, entre otros,  de los siguientes títulos: Caminos de Piedra (Jaime Cuesta); Don Eloy (Camilo Luzuriaga); Entre el sol y la serpiente (José Corral); Raíces (Jaime Cuesta); Montonera (Gustavo Corral); Tránsito a la Historia (Rodrigo Granizo); Araña en un rincón (Edgar Cevallos); Talvez en el año 2000 (Pedro Saad);  Boca de Lobo (Raúl Khalifé); Chacón Maravilla (Grupo Quinde); Las Alcabalas (Teodoro Gómez de la Torre); Camilo Egas (Mónica Vásquez);  Cartas al Ecuador (Ulises Estrella)…

UNP y Cinema Uno producen los cortometrajes: Miguel de Santiago y Espejo, el precursor de Edgar Cevallos; Además, Quitumbe de Teodoro Gómez de la Torre.

Se estrena el documental: Los hieleros del Chimborazo, realizado por Gustavo e Igor Guayasamín y producido por el Banco Central del Ecuador. Uno de los documentales nacionales más premiados en Ecuador y en el extranjero.

Jaime Cuesta y Alfonso Naranjo realizan el largometraje Dos para el camino con la actuación de Ernesto Albán y César Carmigniani.

1981

Con el tiempo, los grandes estudios se dan cuenta de que no hay forma de asegurar que una película sea un verdadero éxito comercial. Prueba de ello es el éxito que tiene My dinner with Andre, del francés Louis Malle, la cual se basa literalmente en una conversación entre dos personas. Ronald Reagan, antes Gobernador de California y Presidente de la Asociación de Actores, se convierte en el primer actor en conseguir la presidencia de los Estados Unidos.

Jaime García Calderón y la empresa García 2, producen el largometraje Nuestro Juramento sobre la vida del conocido cantante Julio Jaramillo. Dirige el mexicano Alfredo Gurrola  y se filma en Ecuador y México. El guión lo hacen Sergio Román Armendáriz y Pepe Jaramillo.

ASOCINE entrega al Congreso el primer proyecto de Ley de cine que no logra aprobación.

Se estrena el cortometraje Don Eloy  de Camilo Luzuriaga que obtiene el segundo premio en el Primer  Festival de Cine Ecuatoriano realizado en Quito.

La Sección Cine de la CCE y el Cine Club Ciudad de Quito formado por Ulises Estrella, organizan el Primer Encuentro Andino de Cineastas al que asisten delegados de Venezuela, Colombia, Perú y Bolivia. Se realiza una muestra de Cine Andino y se propone una reunión de Cine- club andino. Una resolución del Encuentro incentiva y propicia la creación de Cinemateca Nacional del Ecuador, adscrita a la Casa de la Cultura Ecuatoriana.

1982

Volver a empezar de José Luis Garci gana el Oscar al mejor filme extranjero.

Nuevas tecnologías aparecen en el mercado: el VHS, la televisión por cable, la transmisión vía satélite y películas grabadas en videocassettes aumentan la distribución y ganancias de la industria del cine. La televisión a color hace su triunfal entrada. Surge el sistema THX (de mano de George Lucas) y Dolby SR cuyo fin es mejorar notablemente la calidad del sonido.

Cinemateca Nacional del Ecuador, dirigida por Ulises Estrella,  realiza su primera actividad pública: El cine sueco de hoy. Asisten 3.600 personas al cine Colón de Quito.

Der stand der dinge de Wim Wenders gana el León de Oro de la Mostra de Venecia.

Cinemateca Nacional organiza la Primera Muestra de Cortometrajes Ecuatorianos de los últimos años: Montonera  (Gustavo Corral); Caminos de Piedra (Jaime Cuesta); Nuestro Mar (José Corral); Boca de Lobo (Raúl Khalifé); Chacón Maravilla (Camilo Luzuriaga, Jorge Vivanco) con premio en Festival cine Infantil Tampere, Finlandia; Una Araña en el Rincón (Edgar Cevallos); Los Colorados (José Corral); Un Ataúd Abandonado (Edgar Cevallos); Las Alcabalas (Teodoro Gómez de la Torre);  Talvez en el año 2000 (Pedro Saad Herrería).

La colmena del español Mario Camus gana el Oso de Oro en el festival de Berlín.

El documental antropológico Boca de lobo dirigido por Raúl Khalifé e investigación de Susana Andrade obtiene, entre 1.300 títulos concursantes, el 8vo lugar en XXVIII Festival de cortometrajes de Oberhausen,  Alemania Federal.

Se estrena el largometraje Mi Tía Nora, del argentino Jorge Prelorán. Actúan: Isabel Casanova, Giomar Vega, Ana Miranda, Alejandro Buenaventura, entre otros.

1983

Ted Turner, fundador de la cadena de noticias CNN, adquiere uno de los más completos archivos de clásicos del cine de los estudios MGM y propone imprimirle color a todas y cada una de las películas que habían sido producidas en blanco y negro. Su idea fracasa (como fracasaría su matrimonio con Jane Fonda algunos años después) ante la negativa del público.

La libertadora del libertador, co-dirigido por Manolo Cadena, C. Rojas y T. Gómez de la Torre, se re-estrena en el aula magna de la PUCE. Actúan Cesar Carmigniani como Simón Bolívar y Sofía Monteverde como Manuela Sáenz.

En el V Festival Internacional del Nuevo Cine Latinoamericano de La Habana, Cuba, se presenta  Muestra de Cortometrajes ecuatorianos: Camilo Egas, el Pintor de Nuestro Tiempo (Mónica Vásquez); Luto Eterno (Edgar Cevallos); Así Pensamos (Camilo Luzuriaga); La Jirafa  y El Niño de la ciudad y el niño del campo (Pilar Villa, Miguel Ribadeneira, Lukas Clavijo); El Ultimo Auca libre (César Carmigniani).

A petición del Ministerio de Finanzas, se expide el Decreto legislativo 776 que norma la exoneración de impuestos a producciones cinematográficas nacionales, actividad que realizaba de 1980 a 1983, la Unión Nacional de Periodistas y la Casa de la Cultura Ecuatoriana en apoyo a la producción cinematográfica nacional, silenciada en décadas anteriores por falta de recursos económicos.

1984

Paris-Texas (con Natasja Kinski y Harry Dean Stanton) de Wim Wenders gana la Palma de Oro del Festival de Cannes.

1985

Muere Orson Welles, director de Ciudadano Kane, considera la mejor película de la historia del cine.

Se publica el cómic Dykes to Watch Out For (Lesbianas de cuidado) con la tira cómica titulada The Rule de Alison Bechdel, artista y lesbiana militante. En este tebeo dos lesbianas se plantean la posibilidad de ir a ver un filme y una de ellas plantea el hecho de que no ve ninguno que no reúna estos tres requisitos:
1) En la película tienen que aparecer al menos dos mujeres en pantalla cuyos personajes tengan nombre.
2) Esas mujeres tienen que hablar entre ellas.
3) El tema de conversación no puede ser un hombre.
Estos tres criterios se convirtieron en el célebre test Bechdel que se erigirá en el 2013 como un criterio alternativo a las estrellas y a las letras del rating para calificar un filme.

http://blogs.elpais.com/.a/6a00d8341bfb1653ef019b013dacc2970d-pi

1986

La Academia de Cine de España realiza la primera ceremonia de entrega de premios Goya. La mejor película es El viaje a ninguna parte de Fernando Fernán Gómez.

En la provincia del Azuay se cumple el Primer Encuentro de Cineastas Ecuatorianos. Su agenda hace un balance de la producción y difusión cinematográfica ecuatoriana; apoya el proyecto de ley de cine presentado por Asocine y promueve el intercambio de experiencias para buscar apoyos para la producción. Difunde además, programas de acción de la Fundación del Nuevo Cine Latinoamericano.

1987

Au revoir les enfants de Louis Malle gana el León de Oro en La Mostra de Venecia.

La Federación Indígena Campesina de Bolívar organiza el Primer Festival de cine indígena Indio Guaranga para comunidades de su provincia. Las películas difundidas son:  Fuera de aquí; La charreada, Don Eloy, Panchita, El día de Puerto Rico, Ataúd abandonado, Madre Tierra, Niños, Picaflor de cola larga, La imprenta, Cuenca el camino del pan, Vamos patria a caminar, País verde y herido, El clavel desobediente, Chircales, Nuestro mar, Yahuar Mallcu, Ayllu sin tierra, entre nacionales y extranjeras.

En el Aula Benjamín Carrión de la CCE se estrena el video documental La banda de la comuna  de  Edgar Erazo y Dolores Ochoa. Se recogen testimonios de sus protagonistas en la comuna Santa Clara de San Millán, barriada  periférica de Quito.

Cinemateca Nacional y la UNESCO publican en la CCE el libro Cronología de la Cultura Cinematográfica en Ecuador 1895-1985, investigación desarrollada desde 1984 por Teresa Vásquez, Mercedes Serrano, Wilma Granda y Patricia Gudiño.

1988

Se estrena Vibes con el título comercial de El misterio de la pirámide de oro, filmada en la ciudad de Cuenca. Actúan Jeff Goldblum, la cantante pop Cindy Lauper y Peter Falk. La historia incluía a dos síquicos neoyorkinos que buscan el tesoro inca perdido.

Se estrena el largometraje Tren al cielo, con James Coburn en el protagónico, filmado en Ecuador por el sueco Torgny Andemberg y actores ecuatorianos.

1989

Sex, lies and videotape de Steven Sodebergh gana la Palma de Oro en el Festival de Cannes.

Cinema paradiso de Giuseppe Tornatore gana el Oscar al mejor filme extranjero.

Cinemateca Nacional del Ecuador ejecuta con apoyo de la UNESCO un proyecto de recuperación física de películas ecuatorianas. Dos centenas de títulos en video y cine, entre ellos, tres filmaciones de los años veinte se transfieren a formato de seguridad en la Cinemateca de Sao Paulo, Brasil. El equipo de trabajo lo integran: Azucena Cornejo, Wilma Granda,  Mercedes Serrano y Mónica Robles

Con Mandato 040 del Instituto de Patrimonio Cultural y Acuerdo Ministerial 3765 de 3 de Julio y 3 de Agosto de 1989, se declara al cine ecuatoriano como parte del patrimonio cultural del Estado. Y, se Delega, su custodia a Cinemateca Nacional del Ecuador. Se considera patrimonio fílmico a toda filmación,  en cualquier formato,  que realice un nacional o un extranjero en el Ecuador y que tenga diez años de antigüedad.

1990

Martin Scorsese, Woody Allen, Francis Ford Coppola, Steven Spielberg, Robert Redford y Stanley Kubrick crean la Film preservation foundation. La institución busca preservar los clásicos de la historia del cine. De todas las formas artísticas, el cine es la más vulnerable, dice la página de inicio en el sitio internáutico de la fundación. Se han perdido el 50 por ciento de películas hechas en Norteamérica antes de 1950; mientras que tan solo el 10% de películas hechas antes de 1929 todavía están disponibles en los más diversos formatos. La fundación busca apoyar no solo la preservación sino también la restauración de filmes a través de la ayuda de las siguientes instituciones: The Academy of Motion Picture Arts and Science, The Academy Film Archive, The George Eastman House, The Library of Congress, The Museum of Modern Art (New York), UCLA Film and Television Archive, The National Center for Film and Video Preservation y finalmente la National Film Preservation Foundation. Uno de los primeros logros es la restauración de Napoleón de Abel Gance.

Wild at heart de David Lynch, gana la Palma de Oro en el Festival de Cannes.

Los reproductores de vídeo están en casi todos los hogares de Estados Unidos; sin embargo, a comienzos de la década entran con fuerza al mercado los primeros videodiscos digitales (DVD) y el VCR pasa de moda.

Se estrena el  largometraje La Tigra, guión y dirección de Camilo Luzuriaga. Obtiene premios a la  Mejor película y Mejor ópera prima en el XXIX Festival de Cine Iberoamericano de Cartagena. En el Ecuador registra una taquilla de 240.000 espectadores.

Orion Pictures distribuye dos películas de éxito galardonadas con premios de la Academia antes de declararse en bancarrota: Dance with Wolves434 de Kevin Costner y The Silence of the Lambs435 (1991) de Jonathan Demme.

Carlos Naranjo, graduado de la primera promoción de ecuatorianos en  la Escuela Internacional de cine San Antonio de los Baños, Cuba, estrena dos cortometrajes: El cuarto clavo y Aparecer.

1991

Viviana y Juan Esteban Cordero escriben y dirigen el largometraje  Sensaciones en el que Juan  Esteban también compone la música. Obtiene Premio al Mejor sonido en Festival de Cine de Bogotá

Thelma and Louise de Ridley Scott es la primera road movie protagonizada por mujeres.

1992

La Asociación Ecuatoriana de Agencias de Publicidad  convoca al V Festival Ecuatoriano de Publicidad Cóndor de Oro

Se estrena corto El puente roto de Tania Hermida. La producción es de la Escuela Internacional de Cine San Antonio de los Baños.

1993

Fallece en México el celebrado actor ecuatoriano Jorge Fegan (1931) vinculado a teatro, radio, televisión y cine mexicanos. Trabaja aproximadamente en  250 películas mexicanas, la primera: Profanadores de tumbas (1965: J.Díaz Morales)  y la última: La Pura (1993: M.Rico, director). Actua para afamados directores:  Ripstein, J. Fons, F. Casals, J. Pastor, A. Galindo, M. Littin, C. Saura, M. Camus.

Como homenaje al escritor Alfredo Pareja Diezcanseco, Cinemateca Nacional exhibe Las tres Ratas, película argentina filmada en 1946 y basada en la obra homónima del escritor ecuatoriano recientemente fallecido.

1994

David Geffen, Jeffrey Katzenberg y Steven Spielberg fundan el primer estudio que surge en Hollywood en décadas: DreamWorks (SKG). Su primer estreno importante será The Peacemaker436 (1997) con George Clooney y Nicole Kidman. No es la primera vez que se da este tipo de alianzas. Está el caso de First Artists (ver en esta misma cronología el año 1972). David Wark Griffith, Charles Chaplin, Mary Pickford y Douglas Fairbanks fueron los primeros rebeldes que se agruparon bajo el nombre de United Artists (ver el año 1919).

El director alemán Richard Blank filma con guión de Pablo Cuvi el mediometraje de ficción La última escapada. El trabajo de Cuvi gana Concurso nacional de guiones convocado por Asociación Humboldt y  Asocine. Se filma con actores ecuatorianos, se edita en Alemania y se exhibe en Ecuador.

Se convoca a 5000 personas a la plaza de San Francisco de Quito, para filmar escenas de la década del sesenta en largometraje Entre Marx y una mujer desnuda dirigido por Camilo Luzuriaga.

El Congreso Nacional aprueba un Proyecto de Ley de Cine que crearía el IEC (Instituto Ecuatoriano de Cinematografía) y el FONACINE (Fondo Nacional de Cinematografía) financiado con un impuesto del 1% sobre el costo de publicidad comercial en canales de TV. Sin embargo, el presidente de la república veta en su totalidad el proyecto de ley de cine.

El largometraje Sensaciones se presenta en Festival latinoamericano de cine realizado en Londres.

Carl West, yugoslavo radicado en Ecuador, estrena la miniserie televisiva A la costa, basada en la obra de Luis A. Martínez. West realiza en años anteriores: La baronesa (1992); Los sangurimas (1993).

1995

La edición francesa del Diccionaire des filmes de Larousse incluye como único filme ecuatoriano a La tigra de Camilo Luzuriaga.

UNESCO y Cinemateca Nacional celebran el centenario del Cine con la publicación del libro Cine silente en Ecuador 1895-1930 de Wilma Granda más el reestreno de películas restauradas de los años veinte: Los Invencibles Shuaras del Alto Amazonas (Ulises Estrella, director),  recreación del filme original del Padre Carlos Crespi (1926); Terror de la frontera y Ecuador Noticiero Ocaña Film (1929). Este material se exhibe en Paris en el Festival Internacional de películas restauradas.

El gran retorno, mediometraje de Viviana Cordero gana Sol de Oro en III Festival de Cine Demetrio Aguilera Malta, convocado por Asocine.

1996

Se estrena el largometraje Entre Marx y una Mujer Desnuda de Camilo Luzuriaga. Obtiene  Premio Coral a la Mejor Dirección Artística en  La Habana.  Mejor Guión y Mejor Banda Sonora, en Trieste, Italia. La banda sonora la componen: Hugo Idrovo, Jaime Guevara, Ataulfo Tobar y Diego Luzuriaga quien hace el tema central de la película.

El Municipio de Quito aprueba la ordenanza 3184 de Espectáculos Cinematográficos que libera el precio de las entradas a las salas de cine. Ello, provoca la modernización de las salas iniciándose funciones en el primer complejo de salas múltiples en Quito: Multicines  con ocho, Cinemark con siete. Posteriormente se instalan en Guayaquil y Cuenca.

1997

José Luis Goyes, productor y periodista de TV,  recibe el premio Asolab por su reportaje El castigo a las brujas de Calguasí filmado en los páramos del Tungurahua. En 1998, este mismo reportaje gana el premio Rey de España en el Palacio La zarzuela de Madrid.

1999

El premio mundial OCIC para post producción lo recibe Yanara Guayasamín con su filme documental De cuando la muerte nos visitó.

La peliculita independiente de Eduardo Sánchez y Daniel Myrick, The Blair Witch Project, un pseudo-documental en formato casero sobre una excursión juvenil supuestamente terrorífica, aprovecha los recursos de Internet y se acerca a una enorme cantidad de público. Este título está en el libro Guinness pues costó $ 22.000 y reportó ganancias mundiales de 240.5 millones de dólares.

Se estrena Eyes wide shut de Stanley Kubrick, la película que ostenta el récord del rodaje más largo. Nicole Kidman y Tom Cruise trabajaron durante 15 meses. La filmación no se detuvo durante 46 semanas. Kubrick, que falleció antes del estreno, también ostenta el récord Guinness de repetición de tomas de una escena, pues hizo repetir 127 veces un diálogo en The shining (1980), protagonizada por Jack Nicholson.

El estreno mundial del largometraje de ficción Ratas Ratones y Rateros de Sebastián Cordero se realiza en el Festival de Venecia. El público ecuatoriano lo ve el  24 de diciembre. Recibe premio en el Festival de Cine Latinoamericano de Trieste, Italia como Mejor película y mejor opera prima. En el Festival de Cine Iberoamericano de Huelva, España, obtiene el premio Mejor Opera Prima y Mejor Actor (Carlos Valencia). En el XXI Festival de La Habana (Diciembre de 1999) Sebastián Cordero y Mateo Herrera obtienen el Premio a la Mejor Edición. Más de ciento diez mil personas acuden a ver la película durante las primeras semanas de exhibición, cifra record en los últimos diez años.

Se estrena el largometraje Sueños en la mitad del mundo…cuentos ecuatorianos, producido por España – Ecuador  y la dirección de Carlos Naranjo.

2000

Se filma en Quito Prueba de vida de Taylor Hackford con la actuación de Meg Ryan, Russell Crowe y David Morse.

Cinemateca Nacional con apoyo de la UNESCO publica su Catálogo de películas ecuatorianas de patrimonio 1922-1995.

Star wars: Episode I de George Lucas se convierte en la primera película en la historia del cine rodada en su totalidad en un sofisticado sistema de vídeo superior al HDT (High definition television).

Algunas escenas de The dancer upstairs de John Malkovich se filman en Quito. Protagoniza Javier Bardem como el policía que atrapa al comandante Ezequiel (Abimael Guzmán).

2001

Se estrena Prueba de vida. Mientras en EE.UU. resulta un fracaso comercial, en Ecuador vende 50.000 boletos las primeras dos semanas. El accidentado rodaje trae consecuencias legales. Cinco extras ecuatorianos reciben medio millón de dólares por daños físicos luego de haber sido empujados en un Chevy 1981 por un camión. Will Gaffney, doble de David Morse, muere en esa misma escena en que los ecuatorianos son heridos.

Amélie de Jean Pierre Jeunet llega a convertirse en la película francesa más taquillera. Hasta abril de 2002 acumuló $ 144.488.955 en todo el mundo.

Ratas, ratones, rateros, la ópera prima de Sebastián Cordero, se convierte en la primera película en la historia del cine ecuatoriano en ganar importantes galardones internacionales (el festival de Huelva, es uno de ellos). Desafortunadamente, Cordero se olvida de enviar su filme a la preselección del Oscar al mejor filme extranjero.

El rodaje de The lord of the rings supone el récord Guinness de 1.600 pares de pies de látex usados en un rodaje (para uso de los actores que encarnan a los hobbits). Por la mañana había que encolarlos y despegarlos al final del día de rodaje, de modo que sólo podían usarse una sola vez.

Steven Spielberg es asegurado por 1.200 millones de dólares. Este importe reflejaría los ingresos que dejaría de recaudar la compañía que Spielberg fundó con David Geffen y Jeffrey Katzenberg en caso de fallecimiento del cineasta. Se trata del seguro de vida más caro que existe, según el libro Guinness de los Récords. Este dato contrasta con el de Jackie Chan que ha aparecido en más de 90 filmes sin ningún tipo de dobles, y resulta que ninguna compañía de seguros se ha atrevido a asegurarlo, según el libro citado.

2002

El filme taiwanés Crouching tiger, hidden dragon de Ang Lee se convierte en la película de habla no inglesa más taquillera mundialmente. Hasta abril la taquilla internacional registra $ 209.126.710.

Mateo Herrera estrena su primer largometraje Alegría de una vez que participa en 12 festivales internacionales de Cine. Obtiene dos premios: mejor película y mejor guión en Festival Internacional de Cine Atlanta Dohlonega 2002. Se mantiene 11 semanas en cartelera.

El realizador Pablo Mogrovejo realiza su documental Ecuador versus el resto del mundo.

Se estrena el largometraje Un titán en el Ring de la directora Viviana Cordero.

2003

Se estrena el largometraje Cara o cruz dirigido por Camilo Luzuriaga.

Se estrena Master and commander: The far side of the world de Peter Weir, con Russell Crowe en el protagónico. Algunas escenas exteriores (sin actores) fueron grabadas en las Islas Galápagos.

Juan Martín Cueva y Victor Arregui fundan Cero Latitud para producir eventos culturales y audiovisuales. Asimismo, organizan el Festival Iberoamericano de Cine Cero Latitud  con el lema El cine que cruza la línea. En el primer año manejan un presupuesto de 200 mil dólares. Y compiten 12 filmes por un premio de tres mil dólares para el director. El festival marca el inicio de actividades de Egeda Ecuador (Entidad de gestión de derechos de autor).

El guión del largometraje Prometeo deportado, del cineasta guayaquileño Fernando Mieles es premiado en Primer Festival de Cine Pobre Guibara, Cuba.

El ministro de Educación Raúl Vallejo declara el 7 de agosto, día del cine ecuatoriano, en homenaje a Augusto San Miguel y el estreno del primer largometraje ecuatoriano el 7 de Agosto de 1924.

Se inaugura en Guayaquil, la sala de cine Imax con una pantalla de 20 metros de diámetro.

2004

Se estrena el largometraje 1809-1810: Mientras llega el día del director Camilo Luzuriaga.

Se estrena Al encuentro con Jesús de Javier Prado, primer largometraje animado peruano hecho en 2D.

Se estrena el segundo largometraje de Sebastián Cordero: Crónicas, coproducido por Ecuador, México y España. Participa dentro de la Selección Oficial del Festival de Venecia y en más de 50 festivales. Gana más de 12 premios internacionales.

Quebradas de Oro del norteamericano John Tweedy se estrena en Zaruma, Portovelo y Quito. El documental que incluye filmaciones de época, recoge testimonios de mineros y pobladores de Portovelo a propósito de la gestión de la compañía norteamericana SADCO en Ecuador, a principios de siglo XX.

2005

Se estrena Piratas en el Callao del peruano Eduardo Schuldt, basado en el libro homónimo de Hernán Garrido-Lecca. Se trata del primer largometraje latinoamericano de animación en 3D.

Crónicas de Sebastián Cordero, se adjudica tres galardones en XX Festival Internacional de Cine de Guadalajara: Mejor película, mejor guión, mejor actor.

2006

El 24 de Enero, el Congreso Nacional aprueba, por amplia mayoría, las observaciones de la Comisión de Educación y Cultura, entre ellas: la eliminación de las preferencias arancelarias, la supresión del porcentaje propuesto sobre el Fondo de Cultura para el Fondo de Cine y la ratificación de la obligatoriedad para el Banco de Fomento y la Corporación Financiera de abrir líneas de crédito para el cine, con tasas de interés y plazos preferenciales. Además se ratifica la inclusión del Fondo de Cine en el presupuesto del estado.

Más de veinte de años de lucha se concreta una Ley de cine en Ecuador,  proceso que se iniciara en 1977, cuando se constituye el gremio de cineastas ASOCINE y la gestión de sus primeros presidentes: Gustavo Guayasamín, Ulises Estrella, Hernán Cuellar…

El 3 de febrero se inscribe en el Registro Oficial la primera Ley de Fomento al Cine Nacional que ofrece incentivos a la industria cinematográfica y crea el primer Consejo Nacional de Cinematografía, entidad que contaría con fondos para créditos, premios, producción, concursos. El reglamento, revisado por el ministro de Educación es finalmente aprobado por el presidente Alfredo Palacio.

Con Acuerdo Ministerial No. 269 de 25 de Mayo,  el  Ministerio de Educación y Cultura  crea el Premio Augusto San Miguel, en homenaje al pionero del cine de ficción en Ecuador y como un estímulo para escritores y artistas que disponen de obras en proceso de creación. La primera convocatoria premia a Víctor Arregui y su  largometraje de ficción Cuando me toque a mí. Con este filme Manuel Calixto gana el premio al mejor actor en Festival de Biarritz. La película se basa en la novela de Alfredo Noriega De que nada se sabe.

Se estrena el largometraje Qué tan lejos, escrito y dirigido por Tania Hermida. El filme obtiene varios premios en el IV Festival Cero Latitud: Mejor Largometraje, Mirada de Mujer, Del Público y Signis Internacional.  El filme es finalista en la 30 Mostra Internacional de Cinema de Sao Paulo y en varios otros Festivales. La ópera prima de Hermida ostenta hasta la fecha el rótulo del más taquillero del cine ecuatoriano. Con 14 copias del filme se lograron más de 200.000 espectadores.

El tribunal electoral de Asocine convoca a elección de representantes gremiales para integrar el  Consejo Nacional de Cinematografía, conforme Ley del Cine vigente. Raúl Khalifé, presidente de Asocine y presidente del Tribunal Electoral; Camilo Luzuriaga y Víctor Arregui, miembros del Tribunal, realizan el escrutinio. El Consejo tendrá la función de gestionar los fondos de apoyo a la realización cinematográfica nacional.

2007

Se estrena Cuando me toque a mí de Víctor Arregui y Esas no son penas de Anai Hoenelholsen.

2008

Se estrena Retazos de vida de Viviana Cordero y Waldemar de Carlos Andrés Vera.

2009

Se estrena Delfín, la historia de un soñador de Eduardo Schuldt, largometraje peruano de animación, basado en la novela homónima de Sergio Bambaren.

Se estrena Impulso de Mateo Herrera.

Muere Gabriel Tramontana, guayaquileño que realizó el primer archivo audiovisual del Ecuador.

2010

Se estrena Rabia de Sebastián Cordero y Prometeo deportado de Fernando Mieles.

Muere Elizabeth Taylor, primera actriz en conseguir un contrato por un millón de dólares en 1963 por Cleopatra.

2011

Se publica El cine de animación en el Perú. Bases para una historia (Fondo Editorial Universidad Alas Peruanas. Lima, 2011), de Raúl Rivera Escobar (Lima, 1968).

La edición 64 del Festival de Cannes otorga la Palma de Oro a The tree of life de Terrence Malick.

La Universidad de Guayaquil le otorga al investigador de historia del cine ecuatoriano, Hugo Delgado Cepeda, el doctorado honoris causa.

Se estrena en Perú el largometraje animado Lars y el misterio del portal de Eduardo Schuldt.

Se estrena Midnight in Paris de Woody Allen que al año siguiente ganará el Óscar al mejor guión original. La crítica internacional es unánime calificando a la cinta como obra maestra.

2012

Se estrena Pescador, cuarto filme de Sebastián Cordero.

Se estrena Los ilusionautas, largometraje animado de Eduardo Schuldt que es el filme más taquillero del año en Perú.

Eduardo Schuldt abre la FX & Animation School en Lima, una escuela orientada a la animación 3D y cine digital.

El artista de Michael Hazanavicius es el segundo título mudo después de Alas (1927) en ganar el Óscar al mejor filme del año.

2013

En Suecia se adopta el test Bechdel (ver año 1985) para medir el grado de sexismo que hay en un filme. Cuatro cines comerciales y Bio Rio, un servicio de Tv por cable de Suecia, adoptan estos criterios. Esta nueva forma de calificación busca, además de medir la violencia o el sexo, darle al espectador información sobre si la película es machista o no. Esta forma de calificación nace por la insuficiencia del método de las estrellas y de las letras. Por ejemplo, la categoría A siempre fue criticada por no arrojar luz sobre si un filme contenía o no un equilibro entre los géneros. Esta iniciativa se remonta a Virginia Woolf y a sus observaciones sobre la presencia y el papel de la mujer en la literatura.

Treinta cines de Corea del Sur exhiben la comedia romántica Perros y gatos de Min Buyung-woo de 31 años. Se trata del primer largometraje filmado íntegramente con un iPhone que se estrena en salas comerciales.

TITANIC, UN NAUFRAGIO CINEMATOGRÁFICO

El cómico Conan O’Brien le preguntó a Martin Scorsese, director de Raging bull y The departed, qué haría con los 200 millones de dólares que le dieron a James Cameron para dirigir Titanic (1997). La respuesta fue digna de aplauso: «Tomaría lo estrictamente necesario para mi película y devolvería el resto que sería muchísimo.»

Hay que reconocer el triunfo de algo que debería categorizarse como cine virtual por sus efectos especiales y la manipulación de la imagen a través de procesos computarizados. Estamos ante una historia con elementos trillados, con todos los rostros de la espectacularidad que triunfaron sobre el cine independiente, de arte, o como se quiera llamar a cualquier tipo de imágenes en movimiento que no se parezcan a Titanic. Es que si nos detenemos a reflexionar en el guión de Cameron hay que reconocer que no estamos ante nada extraordinario. De hecho este filme no recibió ninguna nominación al Óscar en el apartado de mejor historia, ni adaptada, ni original. Prueba de su futilidad.

Todos le rinden pleitesía a esta plastilina (¿plasta?) multicolor que tiene tres horas y cuarto de duración. Pastiche de lo último y de lo primero. Su técnica lo es todo. Su guión es nada. Lugares comunes para los que se presta el siguiente reparto: Leonardo di Caprio (quien luego se convertiría en una estrella de grandes magnitudes), Kate Winslet (quien luego ganaría un Óscar por El lector de Stephen Daldry en 2008), Kathy Bates, Billy Zane, Bill Paxton, David Warner…

Con Titanic  estamos ante un producto que no es arte, sino pura artesanía, un paquete muy bien manufacturado por alguien que conoce tan bien su oficio como  Cameron. ¿Qué se puede esperar del director de Terminator, Terminator 2: Judgment day, The abyss, Aliens y True lies?  Obviamente, no una obra maestra, sino un cine para las masas; estamos ante alguien que sabe contar una historia combinando sencillez —en la forma de presentar la anécdota y espectacularidad en lo que respecta a formalismos visuales— y tecnología computacional digital.

Por todos estos elementos es comprensible el encanto que el filme sigue ejerciendo sobre las masas. Es difícil para la mayoría escapar a esta gran experiencia visual y auditiva que se despliega en la pantalla. Tiene todos los elementos, ya nombrados, para ser lo que es: un blockbuster imparable, un mega-éxito de taquilla, un chocolate caliente para el alma. En esos elementos está el quid del asunto. Nos manipulan de tal manera que nos dejamos llevar por las redes de esa ilusión cinética. Cameron es un zorro viejo y un diablo. Sabe que sabe. Es por eso que logra engañar a la gente, y nos hace creer que estamos viendo cosas nuevas, cuando en realidad  todo es predecible, ya que predecimos toda la historia de rabo a cabo. Conocemos los estereotipos: chico pobre y artista que se aventuró a explorar París conoce a chica rica que está a punto de casarse con un joven apuesto y millonario que salvará la economía de su hogar.  Consumimos My heart will go on, el empalagoso tema principal de Celine Dion que recuerda al tonito de I will always love you, cortesía  de Whitney Houston en The bodyguard. Aunque más se parece a la música new age de Enja, compositora irlandesa que declinó la oferta de Cameron para escribir la partitura del filme. Su lugar fue tomado por James Horner, con quien tuvo una pésima experiencia laboral en Aliens. Sin embargo, Cameron se sintió impresionado por el posterior trabajo de Horner en Braveheart que decidió olvidar pasadas diferencias y lo contrató. La única condición que le impuso fue escribir una partitura al estilo de Enja. De hecho, gran parte de la música de Titanic se parece a Book of days de la artista del norte de Europa.

Y ahora con la versión en 3D y el centésimo aniversario del hundimiento del trasatlántico, la moda regresa en este primer semestre del 2012. Estrategia para recaudar más dinero. Forma de ponerse a tono con la celebración de las efemérides. En Inglaterra un grupo de turistas se embarcó en la réplica del trasatlántico. Usaron vestimentas de principios del siglo pasado. James Cameron estrenó un documental sobre su viaje a las profundidades marinas. Resulta histórica la escena en la que explica con una banana cómo se hundió el Titanic. La parte fácilmente por la mitad y dice que fue exactamente así como se sumergió la inmensa nave. Los buenos artesanos no son necesariamente inteligentes, como se puede ver en este caso.

El gran barco se hunde y con él gran parte de la historia del cine. Estamos ante una película que ganó once premios Óscar, algo que no pasaba desde 1957, año en que Ben Hur se llevó la misma cantidad. Lo mismo sucedió con Lord of the rings: The return of the King en el 2003 (con este filme de Peter Jackson, Cameron comparte el hecho de haber rebasado el billón de dólares en recaudaciones). Más records: fue el filme más taquillero de la historia del cine (1.8 billones de dólares) hasta que fue destronado por Avatar (2009) del mismo director (1.859 millones de dólares). Junto a All about Eve (1950) es la película más nominada (14 candidaturas). Es también la película con el más alto presupuesto en el siglo XX: 200 millones de dólares.

En Titanic no hay sorpresas. No las hubo en 1997 y no las hay en el 2012. Todo está prefijado de antemano. No se han corregido efectos especiales (ese es un derecho que se ha arrogado George Lucas con su saga de Starwars). Lo único que se ha modificado es el cielo nocturno en la secuencia del naufragio. Un astrónomo le hizo ver al director que el mapa estelar era incorrecto. En la versión en 3D aparecen las estrellas ordenadas de una manera científicamente correcta.  Además, se ha descompuesto el filme en varias capas tal y como lo pide el formato tridimensional. Procedimiento relativamente sencillo tomando en cuenta que el filme fue originalmente rodado en formato Super 35. Lo que interesa al espectador es ver cómo Cameron maneja sus cartas viejas y marcadas. En eso él y el cine como industria obtienen una gran victoria junto a las rugientes masas que están de plácemes. Pero es el verdadero cine el que pierde con esta artesanía, con este kitsch (producto de pacotilla).

UN PARAÍSO LLAMADO CINE

Quien vea Cinema Paradiso (ganadora del Oscar al mejor filme extranjero de 1990) debe creer en ese Dios llamado Cine, al que hay que rendirle culto. Ver el segundo filme de Giuseppe Tornatore (Bagheria, Sicilia, 1956) es como entrar a una portentosa catedral donde contemplaremos los frescos más portentosos.

En pocas películas cada elemento funciona con tanta eficiencia y perfección como en esta cinta. La delicada música de Ennio Morricone (en la cual reside gran parte de la magia del filme), el bien esculpido guión de Tornatore, las actuaciones de Philippe Noiret (Alfredo) y de cada uno de los miembros del elenco, hacen de este filme un paraíso que nadie querrá perder.

La trama nos transporta a la vida de Salvatore (Jacques Perrin), un cineasta que recibe el mensaje telefónico de que Alfredo, el viejo proyeccionista de su pueblo, ha fallecido. Toda la historia es un gran flashback que nos adentra en la infancia de este realizador y su amistad con el proyeccionista. Alfredo es el símbolo del viejo cine. El cine de pueblo. El cine en blanco y negro. Su muerte significa todo un adiós a ese paraíso original.

En este pueblo, a mediados de siglo, existía un cine llamado Paradiso. Nombre apropiado para hablar de una de las más grandes invenciones del ser humano. El cine como metáfora del paraíso recobrado, como una fuente inagotable de imágenes que nos llevarán hacia el placer primigenio.

Películas de viejos directores como Pasolini y Visconti, de actores como John Wayne y Greta Garbo van desfilando por la pantalla del cine de pueblo, moldeando y divirtiendo a la audiencia. Esas viejas películas representan el paraíso perdido que es el viejo celuloide de los 30 y 50. Recordemos que al final de 1956, Italia presumía de tener la cadena más larga de salas de cine: 17.000. Era la cifra más importante del mundo occidental. Tampoco está ausente la referencia al cine italiano. De hecho, cuando Salvatore retorna a su hogar y mira el cuarto que su madre ha preparado para él, se puede apreciar un afiche de El jeque blanco de Federico Fellini. El protagonista de esa cinta es Leopoldo Trieste que encarna al padre Adelfio en este filme.

Al final, el viejo Alfredo queda ciego en el incendio del cine (el poder renovador del fuego) y es Salvatore el que se encarga de proyectar temporalmente las películas. Este incendio da paso a que se construya otro en su lugar que tendrá el nombre de Nuovo Cinema Paradisoque es el verdadero título de la película y que revela, con el adjetivo «nuevo», el verdadero tema de este filme: el relevo generacional, el paso del tiempo. Pero lo nuevo se vuelve a convertir en viejo y al final se dinamita el cine en aras de la modernización «pues el videocassette y las salas comerciales han matado un cine que ya no es como antes», dice uno de los personajes.

El filme de Tornatore es también una novela de aprendizaje. Salvatore sabe que tiene que irse del lugar natal para ver algo de mundo. Así se lo hace saber Alfredo:

            Viviendo aquí día tras día, piensas que es el centro del mundo. Crees que nada cambiará. Luego te vas: un año, dos años. Cuando regresas todo ha cambiado. Pierdes el hilo de las cosas. Lo que viniste a encontrar no está aquí. Lo que es tuyo ya no existe. Tienes que irte por largo tiempo, muchos años, antes de que regreses y encuentres a tu gente. La tierra donde naciste, Pero ahora no es posible. Justo ahora estás más ciego de lo que estoy.

La respuesta del joven Salvatore (Marco Leonardi) apunta al cine como base de todo conocimiento: «¿Quién dijo eso? ¿Gary Cooper, James Stewart, Henry Fonda?» La contrarréplica es sabia: «No, Toto. Nadie lo dijo. Esta vez lo que he dicho es completamente mío. La vida no es como en las películas. La vida es mucho más difícil».

Estamos ante una apuesta por lo global en detrimento de lo local. El viejo le hace ver al joven que debe ensanchar sus horizontes: «Vete de aquí. Regresa a Roma. Eres joven y el mundo es tuyo. Estoy Viejo. No quiero escucharte hablar nunca más. No regreses. No pienses en nosotros. No mires hacia atrás. No escribas. No sucumbas a la nostalgia. Olvídanos a todos. Si llegas a regresar, no vengas a verme. No te dejará entrar en mi casa. ¿Entiendes?» Por un segundo el joven Salvatore sucumbe a la nostalgia y responde lacónicamente a su sermón: «Gracias por todo lo que has hecho por mí». Es el reconocimiento al maestro local que le enseñó lo global. Y el hecho de que sea ciego lo convierte en un oráculo inestimable.

En el año 2002 se estrenó en DVD la edición del director. Si la versión de 1988 tenía 124 minutos, la nueva llegó a los 176. La verdad es que Italia siempre vio la película completa. Cuando se estrenó en EE.UU. Harvey Weinstein, dueño de la distribuidora Miramax, exigió que se la cortara por considerarla muy extensa. El resultado está a la vista. El corte fue preciso.  No hay nada más adecuado que haber extirpado algo que no debía alargarse. Salvatore busca a Elena. Primero se encuentra con la hija de ella que tiene un parecido extraordinario a su madre (de hecho, es la misma actriz que la interpreta de joven). Como si fuera un obseso, el cineasta la sigue de manera furtiva. Ella anda en moto y él en su carro. De esta forma da con la casa de la madre. Consigue el teléfono y la llama. Como se puede apreciar es otra película. Es una subtrama innecesaria. Lo que viene es una telenovela. Ella le dice que no es posible el reencuentro. Al rato ella cambia de opinión y lo va a buscar. Empieza la cursilería. Él le pregunta cómo dio con él. Ella le responde que aquel siempre era el lugar donde se escapaba cuando había dificultades. Es un lugar apartado del pueblo que está junto al mar. De más está decir que ambos han llegado en sus respectivos autos y que es la luz de los faroles automotrices lo que ilumina la escena romántica. Los cinéfilos descubrimos azorados a una madura Elena encarnada por Brigitte Fossey (la de Juegos prohibidos de Rene Clement y El hombre que amaba a las mujeres de Francois Truffaut). Ambos terminan en uno de los carros, abrazados y besándose. Un elemento casi policial es añadido en esta subtrama. La mujer le dice que le dejó en la oficina de Alfredo una nota donde le explicaba que se iba del pueblo. La dejó en un lugar visible. Pegada en la pared en el reverso de un reporte de los filmes proyectados. Salvatore se pone a buscar la carta entre los miles y miles de reportes que aún están en las paredes ruinosas del Cinema paradiso. Es un momento epifánico cuando por fin encuentra la misiva y la lee.  Después del entierro de Alfredo él se despide de la amada con una llamada telefónica: «Elena, quizá en el futuro nosotros podríamos…». La respuesta que recibe el hombre es de melodrama: «No, Salvatore, no existe el futuro. Existe sólo el pasado. Incluso nuestro encuentro de anoche fue un sueño. Un maravilloso sueño. Cuando fuimos jóvenes nunca lo hicimos. ¿Recuerdas? Ahora que ha sucedido, no puedo imaginar un mejor final».

La verdad es que no se puede imaginar a Cinema Paradiso con ese metraje añadido que en el año 2002 fue difundido internacionalmente. Hay obras de arte que resultan mejor dejarlas como están. Claro que puede haber un sector de la audiencia que junto con Salvatore pueden responder: «Nunca estaré de acuerdo contigo, Elena. Nunca».

Una sola cosa podría acaso favorecer al metraje adicional. Puede ser melifluo pero prepara dramáticamente al espectador para el clímax. El encuentro del reporte de proyección cuyo reverso contiene la carta. El reencuentro con Elena. Son datos que el espectador asimila para estar mejor preparado para el momento cumbre. El cineasta Salvatore, aquel Totó de la infancia, observa los besos censurados en un solo carrete de celuloide. Se emociona y solloza no tanto por Alfredo. Ahora sabemos que es por Elena, la mujer a la que ha perdido por segunda vez y para siempre.

Giussepe Tornatore —un joven y talentoso cineasta, ingenuamente hábil, encumbrado prematuramente en el Olimpo del cine— nunca repitió en sus posteriores películas (1900, El hombre de la estrella, Malena) el nivel de excelencia presentado en este Cinema Paradiso. Sin embargo, puede morirse tranquilo: logró crear una obra maestra.

HUGO Y EL ARTISTA, DOS TRIUNFOS SONOROS

El artista (2011) de Michel Hazanavicius no es la primera película muda en pleno periodo sonoro. Silent Movie de Mel Brooks (1976) es una ofrenda votiva, a todo color, a la etapa silente de la historia del cine. Lo único que se escucha en ese filme de Mel Brooks es la palabra No en la boca del mimo francés Marcel MarceauThe call of  Cthullu (2005) de Andrew Leman es un mediometraje de 47 minutos. Se trata de un homenaje al mundo de H. P. Lovecraft con todos los recursos del cine no hablado: 16 cuadros por segundo, fotografía sepia, actores con rostros del color de la harina, intertítulos interpolados, etc. Estos son tan sólo dos ejemplos contemporáneos de narrativa cinematográfica silente.

La única película no parlante que anteriormente había ganado el Óscar al mejor filme del año fue Alas (1927) de William A. Wellman. Era la primera ceremonia de los premios de la Academia y el mundo de las imágenes móviles (motion pictures, movies) se debatía entre el agonizante silente y el naciente sonoro.

Un poco de marco histórico para entender la importancia de El artista. Es el tercer título bicolor, en medio siglo, en ganar la categoría de mejor filme del año. Los otros dos filmes en blanco y negro fueron La lista de Schindler (1993) de Steven Spielberg y El apartamento (1962) de Billy Wilder (director alemán cuya carrera empezó en el cine mudo y continuó en Hollywood). Este último director fue mentado en tres agradecimientos la noche en que El artista se llevó cinco premios en las principales categorías (mejor filme, mejor director, mejor actor principal, mejor música y mejor vestuario). Es también uno de los diez filmes en blanco y negro en ser nominado al Óscar a la mejor cinematografía, desde que la categoría de mejor fotografía en blanco y negro fue descontinuada en 1967. Los otros nueve filmes son: A sangre fría, The last picture show, Lenny, Toro Salvaje, Zelig, The man who wasn´t there, Good night and good luck, La cinta blanca La lista de Schindler.

La trama de El artista se desarrolla en la época de transición del cine silente al parlante. A la manera de Nace una estrella vemos a George Valentin (¿Douglas Fairbanks o Rodolfo Valentino?), actor famoso que ayuda a Peppy Miller, una principiante, a convertirse en el gran nombre que habrá de adornar una marquesina. En la transición al cine sonoro la artista novata (Berenice Bejo, esposa del director) termina convirtiéndose en una celebridad y el galán acaba en la miseria pues sigue empecinado en hacer un tipo de cine que ya nadie quiere ver. La suerte que corre la película dirigida por George Valentin es la misma que le ha tocado a The artist: poca afluencia de público con un ligero repunte después de ganar las cinco estatillas. Según las cifras disponibles en sitios especializados, la cinta de Hazanavicius  y The hurt locker de Katherine Bigelow, son ya las menos taquilleras de todas las que han ganado el premio al mejor filme del año.

El argumento de Hugo (2011) de Martin Scorsese no es muy distante de El artista históricamente hablando. Se trata de un homenaje a George Méliès, pionero del cine de ciencia ficción con cortos como Viaje a la luna (1902). Es también el inventor del storyboard y del trucaje o sobreimpresión, técnica que revolucionaría el lenguaje cinematográfico. El nombre en el título alude a un niño huérfano que vive en la estación de Montparnasse, lugar donde Méliès tenía una tienda de juguetes, ya retirado en los años treinta, de su carrera de cineasta.

Hugo, al igual que The artist, recibió también cinco premios de la Academia. Las categorías premiadas fueron eminentemente técnicas: mejor fotografía, mejor edición de sonido, mejor diseño de sonido, mejores efectos especiales y mejor dirección de arte. Esta última categoría (aparte de la de F/X) parecía dedicada a Méliès, sobre todo porque fue el precursor del diseño de producción al crear sus propias escenografías y fondos pintados removibles para sus filmes; además, fue al primero a quien se le ocurrió construir un estudio para sus rodajes.

Dos grandes peculiaridades saltan a la mirada apenas ingresamos a la sala para admirar tanto Hugo como El artista. La primera es ver que el filme mudo ofrece una pantalla cuadrada con el denominado radio académico (1:33:1), tal y como era en la primera etapa del cine silente, y el uso constante del iris, esa circunferencia negruzca que se abre y se cierra para abrir o concluir una escena. En Hugo deslumbran los efectos especiales y el vistoso 3D, más aún cuando algunas escenas se prestan para ello. Ver, por ejemplo, las que tienen lugar dentro y fuera del reloj gigante de la estación de Montparnasse, pero sobre todo la de apertura del filme que tomó un año digitalizar. Recordemos el comienzo de la historia de Scorsese (basada en una novela de Brian Selznick): la cámara hace un viaje aéreo sobre París descendiendo hasta la estación y realizando un paneo de los famosos comensales que frecuentaban bares y cafeterías: James Joyce, Salvador Dalí y Django Reinhardt. Lo mejor de esta escena de apertura es la digitalización de París como si fuera un enorme mecanismo de relojería. Incluso se puede apreciar, gracias a los efectos, cómo el Arco del Triunfo es la rueda de escape de ese gran reloj que es París.

El filme de Hazanavicius reproduce las técnicas narrativas de principios del siglo XX sin ir más allá. El de Scorsese tampoco aporta nada nuevo a las técnicas narrativas del siglo XXI (el motion capture y el 3D están en un raudal de filmes recientes). Se trata de un par de relatos metatextuales, en ambos casos estamos ante cine que reflexiona sobre el cine. Esto se evidencia más que nada en El artista cuando el personaje principal despierta de una pesadilla para entrar en otra: los objetos a su alrededor empiezan a sonar de manera estruendosa. George Valentine está a punto de enloquecer. Los sonidos asaltan la atmósfera silente subvirtiendo el orden establecido. En Hugo asistimos a una apología de la máquina. Con respecto a este particular, el niño cuyo nombre da origen al filme afirma algo que constituye el arte poética del filme: «I’d imagine the whole world was one big machine. Machines never come with any extra parts, you know. They always come with the exact amount they need. So I figured, if the entire world was one big machine, I couldn’t be an extra part. I had to be here for some reason». El robot (autómata, se le dice en el filme) tan buscado por Hugo Cabret guarda en realidad un secreto: una viñeta con el cohete que llega a la luna (tomada del filme de Méliès). Sin la máquina no es posible hacer cine, parece decirnos Scorsese, sin la tecnología no hay historia. Hugo es, en realidad, un homenaje sonoro, a todo color y con miles de efectos especiales, al inventor de los efectos especiales.

En estas paradojas (artista silente que lucha contra lo sonoro/ Méliès y su retrato sonoro lleno de F/X) reside el por qué Hugo ha seducido a las audiencias mayoritarias y  The artist a los votantes de la Academia. Estamos ante dos hitos. Nunca antes una película  muda había reflexionado sobre la naturaleza del sonido y su antípoda, el silencio. Nunca antes Méliès había merecido un homenaje de semejante espectacularidad. En esta última palabra no hay trampa. El director francés filmó espectáculos narrativos y si estuviera vivo de seguro que habría usado las mismas técnicas computarizadas de James Cameron, Robert Zemeckis o Steven Spielberg. Esta vez el show es de Scorsese y el repertorio posmoderno de clichés digitales.

Hazanavicius no se queda atrás con otro tipo de artificios: la historia que nos cuenta la hemos visto una y mil veces. Es una sumatoria de lugares comunes, estereotipos, citas literales y encubiertas de filmes ya vistos, sin contar con el meloso perro prestado de Chaplin. Su valor agregado es la reflexión sobre la dicotomía sonido-silencio. De hecho, en la última escena, cuando George Valentine y Peppy Miller han decidido convertirse en una pareja de artistas a lo Fred Astaire y Ginger Rogers, escuchamos los jadeos de ambos completamente extenuados. Apoteósico final de un filme mudo que se ha transmutado en sonoro.

Tanto Hugo como The Artist son dos máquinas de citas intertextuales. Son verdaderos tests de cultura cinematográfica para un cinéfilo enciclopédico. Unos cuantos ejemplos. En el principio de Hugo, una cantante en la estación de Montparnasse canta Frou, frou, canción del filme La gran ilusión de Jean Renoir. Otros filmes citados en forma de clips: La llegada del tren de los hermanos Lumiere, El beso de Edison, El gran robo del tren, Intolerancia, El gabinete del doctor Caligari, El chico, Los cuatro jinetes del Apocalipsis, El maquinista de la general, La caja de Pandora, El ladrón de Bagdad… En The artist no sólo está la obvia referencia a Nace una estrella (que ya nombramos anteriormente), sino que el director además se da el lujo de tomar un fragmento de la partitura de Vertigo de Alfred Hitchcock para el momento climático.

Concluimos recomendando ambos filmes por sus aspectos didácticos, pues bien podrían servir como material de apoyo para enseñar Historia del Cine. Tanto Hugo como El artista hacen alusión directa o indirecta a un sinnúmero de películas que constituyen una lista que todo aficionado debería conocer. Los niños de Scorsese asisten clandestinamente a una sala de cine en cuyas afueras se pueden apreciar carteles de artistas silentes como Max Linder o Charlie Chaplin. Además, el filme que lsabelle y Hugo van a ver es Robin Hood (1922) con Douglas Fairbanks, actor que también es citado en El Artista con el filme La Marca del Zorro. En otra escena acuden a la biblioteca para escrutar un libro de la historia del cine y se interpolan clips de Lumière y compañía. Las nuevas generaciones ignoran la Historia con mayúsculas en todos los aspectos y es importante instruirlas sobre los inicios del séptimo arte. Sin Méliès no existirían George Lucas y tantos otros magos de los efectos especiales. Es fundamental que los cinéfilos del nuevo siglo conozcan la estética primitiva de lo silente admirando El artista. El mismo Scorsese lidera The film foundation (filmmakers for film preservation) que restaura filmes antiguos con miras al reestreno. Los críticos debemos cumplir la misma misión de Rene Tabard, el personaje del historiador de cine en Hugo (al que los niños encuentran en la biblioteca): preservar el pasado para transmitirlo generosamente a los neófitos.

DAVID LYNCH: LINCHANDO EL SENTIDO

 Cuando Mel Brooks terminó de ver la fábula postapocalíptica Eraser head (1977) lo primero que hizo fue abrazar al autor de esa ópera prima y decirle: «I love you, madman». Fue el comienzo de una gran amistad. A menos en términos financieros. Del hecho de que le gustara Cabeza de borrador dependía que el exquisito comediante, autor de La loca historia del mundo, produjese El hombre elefante (1980).

¿Cómo definir a este madman de copete abundante en la testa? David Lynch (EE.UU., 1946) es un pintor que plasma pesadillas, sueños diurnos, ensoñaciones, en el lienzo de la pantalla. Mundos obsesivos, sórdidos, extravagantes, bizarros. Para quienes no lo conocen es un hombre formado en bellas artes, excelso dibujante y escultor, fotógrafo de sus primeros cortos; editor, compositor y sonidista de su ópera prima. Diseña muebles y paisajes sonoros (landscapes sounds), escribe letras de canciones y de cuando en vez dirige comerciales (hizo uno memorable para ADIDAS), videos musicales (hizo una versión de  Wicked game para Chris Isaak) y algunos proyectos multimedia. Es un hombre tan despistado y ensimismado que cuentan que al conocer a Isabella Rosellini le dijo: «Es usted tan hermosa que podría pasar por una hija de Ingrid Bergman».

De El hombre elefante a Duna

La historia de John Merril, el hombre del rostro deforme como el de un elefante, parecía ser una historia hecha a la medida para el joven Lynch después de hacer Cabeza de borrador. Es el comienzo de un viaje hacia el estatus de cineasta de culto por una película de estética cuasi gótica en la que el blanco y negro es un fuerte componente visual. El trayecto se desvía radicalmente con una película de encargo que le permite visitar el género de la ciencia ficción con Duna (1984). Con el tiempo se arrepentirá de haber aceptado semejante responsabilidad. Después de todo, nadie quiere el enorme reto de ser parte de una megaproducción de cuarenta millones de dólares (doscientos al cambio actual) de Dino de Laurentis ( King Kong, Hannibal, Flash Gordon). El problema consistió en la dificultad de llevar al cine una novela tan voluminosa y con un millardo de personajes como la de Frank Herbert (distinguido nombre del Olimpo de la ciencia ficción). La desmesura de Duna radica quizá en su tono operático y su ambicioso diseño de producción, escenarios gigantescos, vestuarios fastuosos. El lado oscuro del filme acaso reside en los efectos especiales: demasiado rudimentarios,  definitivamente F⁄X (effects) anti Hollywoodlandia. No obstante, el filme debe ser visto en retrospectiva como una alternativa a Star wars (1977), una respuesta a la parafernalia light de George Lucas con su ciclo épico de moda; significa, además, el comienzo de una asociación fructífera con el actor Kyle McLahlan.

 De Terciopelo azul a Mullholland

 Con Blue velvet (1986), en cambio, deja una gran impronta en la memoria de la cultura. De una manera muy personal, el director desarrolla el tema del voyerismo. «Una historia de amor», declaró alguna vez, «en la que alguien espía en el cuarto de una mujer. Es un extraño ángulo para contar el misterio de un asesinato». Los ecos de La ventana indiscreta son evidentes. Lynch es lo que Hitchcock pudo haber sido si la época y la censura le hubieran permitido insertar todo tipo de aberraciones y abyecciones que están presentes en Terciopelo azul: el sádico Frank (Dennis Hopper) inhalando droga a través de una máscarilla, Jeffrey (Kyle McLahlan) que es obligado a desnudarse cuando es interrumpido en su labor de voyerista por la maltratada Dorothy (Isabella Rosellini), Dean Stockwell como el homosexual con los labios pintados de carmín que reparte besos a sus congéneres… Imágenes turbadoras al son de la canción fetiche que da título al filme. La Rosellini sintetizó bien la historia después del estreno: «Todos dicen que es una historia enfermiza, pero para mí es un estudio sobre el bien y el mal».

Llegando casi al final del camino debemos tropezar con Wild at Heart (basada en la novela homónima de Barry Gifford) distribuida como Corazón salvaje y que ganó la Palma de Oro del Festival de Cannes en 1990. Esto, que habría resultado imposible dentro de la mojigata academia de Hollywoodlandia, hizo que Lynch subiera como la espuma y sea respetado por un espectro más amplio de espectadores. Con este título debuta en un género con el que llegará a identificarse, la road movie o película de carretera (The straight story significará años más tarde su retorno a este género). La pareja romántica de esta historia son Nicolas Cage y Laura Dern en sus roles de Sailor y Lula respectivamente (homenajes certeros a Elvis Presley y Marilyn Monroe). Al recibir el premio, Lynch hizo un comentario no exento de ironía: «El festival de Cannes es, en mi opinión, el mejor del mundo. En general, siempre he pensado que los europeos aprecian mejor las abstracciones». Esta declaración es una dura crítica contra el star system hollywoodense lleno de concesiones donde las películas no se dirigen, se gerencian.

Y por último, Mullholland Drive (2001) se erige como otro de los títulos paradigmáticos de este director que arriba campante a los sesenta años. Originalmente fue un piloto televisivo rechazado por la ABC. El gran desquite, sin buscárselo, fue ganar el premio al mejor director, otra vez en el Festival de Cannes. De seguro que el aparato medidor de rating de la gran cadena televisiva norteamericana se descompuso con la noticia de este nuevo premio.

En El camino de los sueños (como fue bautizado en español este filme) aparece una vez más la obsesión por la dicotomía realidad/ ensueño y surge nuevamente el problema de las etiquetas: thriller, drama, historia romántica sáfica… El vehículo para este nuevo relato es un par de actrices sensuales y de gran talento: la australiana Naomi Watts y la ex Miss Universo, Laura Harring, personajes intercambiables sumidos en un laberinto onírico concebido como un filme policial.

La versión del DVD de Mullholand tiene los siguientes consejos para entenderla. Parece una ironía. Lynch nunca va a ser linchado semánticamente. Su arte no es para entenderlo. Existe para empaparse de él. Secarse, quizás. Pescar un resfriado o una neumonía, en el peor de los casos. Veamos a continuación cuáles son los tips mientras hacemos un comentario entre paréntesis: 1.- Poner particular cuidado al inicio de la película, por lo menos dos pistas son reveladoras antes de los créditos (¿y las otras pistas no sirven de nada?). 2.- Considerar lo que sucede durante las tomas de la lámpara roja (¿Por qué no considerar lo que tiene lugar en todas y cada una de las tomas, no sólo en esta?). 3.- Recordar el título de la película para la que Adam Kesner está audicionando actrices (¿No se supone que un espectador inteligente logra recordar detalles tan vitales como ese?). 4.- Recordar el lugar donde ocurrió el accidente automovilístico (Bueno, esa sí estuvo difícil. A tomar apuntes entonces). 5.- ¿Quién entrega una llave a quién? ¿Por qué? (En los filmes de Lynch cuídate de que te den una llave. ¿Quién sabe cuántas cajas de Pandora puedes abrir con una sola de ellas?). 6.- Prestar atención a los siguientes objetos: un cenicero, una taza de café y una alfombra (Otra vez a usar una libretita). 7.- ¿Qué sucede dentro del club llamado El Silencio? (El nombre de ese lugar parece el título de un filme de Bergman). 8.- Notar qué sucede con el hombre que está detrás de Wilkes (Ya me cansé de comentar cada instrucción del DVD). 9.- ¿Fue el talento lo único que ayudó a Camilla? (Supongo que la respuesta que se espera es algo así como: Su cuerpo también ayudó). 10.- ¿Dónde diablos está la tía Ruth? (Y vaya usted a saber dónde está la pobre).

En busca del sentido perdido

Como en casi todas sus películas, Lynch partió de una imagen.  Si en Wild at Heart la inspiración es una casa en llamas que explosiona, la imagen que le obsesionó para concebir Sueños, misterios y secretos (otro título de distribución en español) es una señal de tránsito en la carretera nocturna. Ese signo contiene el nombre de Mullholland drive iluminado por los faros de un auto. Como en la mayoría de sus filmes la lógica común y silvestre debe ser desterrada. El espectador que busca un sentido está perdido. Los filmes de este cineasta linchan el sentido. Se busca una participación activa por parte del espectador ante una estilística tan personal donde no necesariamente todo tiene una explicación. La tradición judeocristiana ha calado en Occidente de tal forma que nada debe ser dejado sin una explicación lógica. Ni el mismo Lynch sabe a ratos cómo explicar  lo que hace. Una actriz en el set de la teleserie Twin peaks (traducida como ¿Quién mató a Laura Palmer?) se siente turbada cuando en medio de una escena el director le pide que ladre. Cuando la actriz pregunta por qué, recibe como respuesta un solo hazlo. En esta anécdota está el sentido del no necesariamente presente sentido que tiene esta filmografía marcada por lo perverso. En una entrevista para el DVD de Terciopelo azul el director es contundente: «Quiero que en la sala oscura de un cine el espectador se enfrente con imágenes que nunca antes en su vida ha visto. Quiero sorprenderlo». Y remata en inglés con una frase aparentemente inocua pero de gran sutileza: I want to thrill souls. Algo así como «Quiero asustar almas». En definitiva, eso es lo que ha hecho y no ha dejado de hacer este elefante de la cinematografía. Sonrían. Nos están asustando.

WOODY ALLEN Y SU PERIODO FORMATIVO TEMPRANO

Nadie debe olvidar que el bajito pelirrojo Allan Stewart Konigsberg (1935), alias Woody Allen, fue durante los inicios de su carrera un escritor de chistes y un cómico de cabaret (stand up comediant). ¿Qué se puede decir de este humorista judío que no se haya dicho ya? Que es un clarinetista autodidacta, que intentó cursar estudios universitarios y que fue expulsado de varios centros académicos. En resumen, el primer Woody es un humorista clásico, capaz de morisquetas, muecas y cierto lenguaje corporal tomado de Buster Keaton y un estilo oral a lo Bob Hope y los hermanos Marx. Sus inicios nos remiten a los años cincuenta y sesenta en los que trabajó como escritor de programas cómicos de televisión. The Ed Sullivan Show y The Tonight Show son dos de tantos televisados que tuvo que escribir. Su talento con el micrófono lo llevó inclusive al Ceasar´s Palace y otros centros nocturnos de gran prestigio en Norteamérica.

No obstante, hay un aspecto adicional que también suele olvidarse: estamos ante un escritor de talento que publicó más de cincuenta textos cómicos entre 1966 y 1980 en The New Yorker, la revista cultural más importante de los Estados Unidos. Estos textos fueron recogidos en libros que llevan los siguientes títulos: Sin plumas, Cómo acabar de una vez por todas con la cultura y Perfiles (todos editados en Tusquets).

¿Cómo abordar al primer Allen? Sus primeras películas mostraron una postura contracultural, con un sarcasmo cáustico demasiado directo. Antes de pasarse al lado oscuro (filmes con saludables influencias de Bergman y Fellini), se dedicó a hacer farsas donde las ocurrencias oscilaban entre la genialidad y lo típico, la hipérbole y lo kitsch.

Después de la tele y de chistes contados frente a grandes audiencias, su salto al cine se da con roles secundarios en la parodia de James Bond, Casino Royale (1967) y la comedia de enredos eróticos What´s new, Pussycat? (1965). Esta última, por ser su primer guión original para la pantalla grande, le sirve de plataforma para dirigir sus primeras películas: What`s up Tiger Lily? (1966), Take the Money and run (1969) y Bananas (1971), que no son más que una serie de gags visuales y verbales que no tienen una imbricación visible. De hecho, Toma el dinero y corre fue descrita por Vincent Canby del New York Times como “un monólogo de club nocturno, una carpeta de hojas intercambiables: se tiene la sensación de que muchas escenas, e incluso bobinas enteras, podrían cambiarse de lugar sin que ello produjera apenas una diferencia en el impacto global”.

El pobre de Woody tuvo que aprender dramaturgia en el camino, ya que durante sus primeros filmes se nota que hay poca consistencia en el ensamblaje de la trama. Esta carencia se ve compensada por el inteligente remiendo de chistes que suceden de manera vertiginosa, como si se tratara de un vaudeville. Para disimular un poco su falta de experiencia construyendo historias, Allen usa en sus primeros filmes guionistas profesionales como apoyo, no siempre acreditados. De ahí que la firma de los guiones es compartida en sus primeros filmes. Con Marhsall Brickman firma Sleeper (1973), la oscarizada Annie Hall (1977) y Manhattan (1979) y con Mickey Rose rubrica Take the money and run y Bananas.

La que merece un pequeño comentario, antes de revisar ejemplos de su humor temprano, es su ópera prima (la insólita What`s up Tiger Lily?), locura intertextual, parodia sobre los filmes de espionajes, en la que se toman imágenes de una película japonesa ya existente, se le añaden nuevos diálogos e imágenes y una trama totalmente diferente.

Recorramos brevemente algunos ejemplos de ese humor disparatado de los primeros filmes del director neoyorkino. En Love and death (1975), distribuida en español como La última noche de Boris Grushenko, un hombre al que han matado de un tiro se aparece a sus más allegados para resumir el argumento y hacer bromas; en Todo lo que usted quiso saber sobre sexo pero no se atrevía a preguntar (1972) un pecho gigante atemoriza a una multitud; en Take the Money and run, el atracador, interpretado por ya saben quién, no puede escribir una nota legible para el cajero de un banco que no sabe que lo están asaltando; en El dormilón (1973), el maquillaje de Allen es el de un mimo (por más que quieran hacerlo aparecer como un robot), lo cual lo acerca más a las slapsitck comedies del cine mudo; en Bananas se disfraza de Fidel Castro; en la obra teatral El bombillo que flota, un joven crecido en la pobreza escapa de la miseria de su vida familiar en Brooklyn mediante la práctica constante de trucos de magia (trucos a los que Woody Allen siempre le dedicó muchos años de su juventud en la vida real). Los elementos mágicos se repetirán en posteriores títulos como Oedipus wrecks de Historias de Nueva York (1989) y Alice (1990), pero no podemos dejar de evocar ese humor sesentero, jovial y pueril, típico de la televisión norteamericana de entonces y que de cierta forma está reflejada en las ruedas de prensa y otras apariciones públicas de Los Beatles. En Todo lo que usted quería saber sobre sexo y no se atrevía a preguntar (1972) es el galán Fabrizio en una de la historias. Este hilarante cortometraje que es una parodia del cine intelectual de Antonioni, está rodado íntegramente en italiano y todo el repertorio gestual del personaje está basado en amantes del cine itálico como Marcello Mastroianni y Giancarlo Gianinni.

¿Por qué este cine de humor disparatado de Allen se ve desplazado a fines de los setenta? La respuesta es aparentemente sencilla. El artista creció intelectualmente, maduró, se independizó de la stand up comedy, se rodeó de mejores lecturas y experiencias que se ven reflejadas en Interiores (1978), el gran punto de giro de su carrera. Se trata de su primer guión redactado íntegramente por él y su primera incursión en el drama.  Luego vino su canto de amor a Nueva York con Manhattan (1979) y una treintena de filmes más (uno por año es su ritmo de producción). Pero ese es tema para otro artículo.

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